On suit le parcours de Thomas Jonsson depuis (très) longtemps dans les colonnes du Cri. Ce suédois possède un art que peu atteignent, celui d’une signature vocale et instrumentale originale, exigeante; d’une beauté délicate, toujours teintée d’amertume, et d’un humour noir aiguisé. Give Up Together est son sixième album, et sans doute le plus direct, le plus "organique" de tous. Son compère habituel à la production, Carl Edlom, fait des miracles avec deux ou trois instruments. Les prises de voix sont d’une puissance et d’une clarté étonnantes, donnant à Thomas l’espace et l’ampleur nécessaire pour faire passer le message, l’émotion et l’élan de ces chansons quasiment sans refrains, mais où chaque ligne pourrait être citée seule, tant les mots sont précis et importants. Musicalement, même si le terme "americana" reste adéquat (pour la guitare acoustique omniprésente, et l’ambiance générale), je ne peux m’empêcher de penser à d’autres mondes, ceux du Van Morrison de la fin des années 80, pour ces cordes (Helena Arlock Wahlberg… parfaite sur chaque intervention) et cuivres utilisés avec un bon goût épatant, et, pourquoi pas, soyons fous, le monde perdu de Nina Simone… Pour les tons haut-perchés de Thomas, pour cette authenticité humble et envoûtante, pour plein de raisons … Le titre Your Dad’s Bad Days a récemment été utilisé dans le film The Quiet Beekeper, et il est symptomatique de la réussite de cet album. Tout comme Years Of Depression, où la batterie (Svante Sjöblom), mariée à des giclées de guitares électriques ouvre l’album en majesté. Il faut citer White Denim et son sublime arrangement de saxophones (signées Mats Bäcker, également photographe de génie), ou le duo avec Alina Björkén sur Winter of ’85/’86, assurément une des plus belles chansons du moment. Ou peut-être de l’année. Ou peut-être du Monde. Allez savoir! Give Up Together est un grand album. Abandonnez-vous, jetez une ou deux oreilles, vous serez au paradis. Assuré.
Activiste (du bon côté des causes…), musicien, auteur, chanteur, David Huckfelt mérite un vrai coup de projecteur, en tous cas en Europe où la renommée de ce natif de l’Iowa reste modeste. On l’avait découvert avec l’album Stranger Angels en 2019. Deux ans plus tard, Room Enough, Time Enough confirmait (avec notamment ce duo avec l’ami Greg Brown sur Satisfied Mind) tout le bien que l’on pense de lui. Une présence, une attitude et des valeurs qui forcent le respect. Un itinéraire de troubadour folk qui l’a conduit à travailler avec John Trudell, Quiltman ou Keith Secola, et une approche militante en faveur de l’Indian Nation, et de la communauté Navajo. Si vous avez la chance de voir la série Dark Winds, basée sur l’œuvre de Tony Hillerman, vous entendrez le titre Chief Seattle’s Dream, que David a écrit, interprétée avec Laura Hugo. I Was Born, But… est un album intégralement constitué de reprises, mais très, très loin d’un juke-box roots. C’est une preuve supplémentaire du caractère intemporel des chansons choisies, qui vont de Bob Dylan à Jackson Browne en passant par Howe Gelb, Don Rollins ou J.J. Cale. Et surtout du talent naturel de David, qui ne s’embarrasse pas des conventions de chaque genre, entre folk, blues, country ou rock. Il partage sa passion, avec fougue et fierté. Les quinze titres sont tous de haute volée, produits de main de maître par Gabriel Sullivan
(XIXA, entre autres), mais on retiendra en particulier ces versions élégantes et légitimes de Anyway The Wind Blows (J.J. Cale), All Done In (Howe Gelb), NDN Kars (Keith Secola) ou Who Do You Love (Ellas McDaniel). Un vrai plaisir d’écoute, libéré de tout carcan de style, avec la voix d’Huckfelt qui a l’épaisseur et l’autorité d’un certain… Greg Brown. La boucle est bouclée, merci l’Iowa pour cette valse sans fin, et merci David.
Dean Owens a jeté depuis plusieurs décennies un pont assez inédit entre son Écosse natale et les déserts du sud américain, ceux de l’Arizona pour être précis (ses collaborations avec la planète Tucson, Calexico, etc.). Un mariage naturel, si l’on en juge par sa discographie abondante et toujours de grande tenue. Spirit Ridge est son douzième opus, et sa très belle voix porte cette production de bout en bout. Une voix veloutée et forte, jamais maniérée, ni maquillée, un modèle du genre. L’écriture est au rendez-vous, sur Eden Is Here, Wall Of Death, My Beloved Hills ou The Buzzard and The Crow, qui placent Dean dans un carré-VIP des plus grands songwriters actuels d’Albion … Mais il faut souligner, plutôt deux fois qu’une, le travail d’orfèvre à la production de Don Antonio (Antonio Gramentieri), depuis ses collines italiennes. On vous a déjà parlé de lui, plusieurs fois (avec Sacri Cuori, et avec Alejandro Escovedo ou Dan Stuart). Antonio est un maître. Il sait extraire le jus d’une chanson comme personne, trouver le ton, trouver l’angle juste. Les guitares sont belles à tomber, les arrangements racés et voluptueux, et ce soin jaloux est toujours au service de Dean, pour magnifier son talent, qui le mérite amplement. Bref, c’est un sans-faute, beau et digne. Une perle rare, à l’esprit enchanteur.
S’adapter ou disparaître. Le monde dit moderne ne nous laisse parfois que cette alternative, et comme le chantait François Béranger il y a déjà bien longtemps "L’alternative, c’est pas malin". Le marché de la musique bluegrass a connu une double mutation ces dernières années, à l’image – je pense – d’une grande partie du marché de la musique en général. Depuis les années 60 ou 70, les artistes bluegrass publiaient exclusivement des albums (vinyles ou cassettes puis CDs). Récemment on a vu exploser la sortie des singles en téléchargement. On se croirait revenus à l’époque des 45 tours. L’autre phénomène est justement le téléchargement. Ce mode de commercialisation des albums existe déjà depuis plusieurs années. Ce qui est nouveau, c’est que, de plus en plus souvent, il n’y a plus d’alternative. Il n’y a plus systématiquement de publication d’albums "physiques" en CD ou en vinyle. C’est le téléchargement ou rien. Ce qui explique que vous trouverez dans cette rubrique les derniers opus de Bronwyn Keith -Hynes et Michael Cleveland & Jason Carter, parus respectivement il y a presque deux ans et plus d’un an. Ils ont rapidement atteint les sommets des charts bluegrass et je n’aurais jamais imaginé qu’ils ne sortent pas en CD. J’ai attendu longtemps (très longtemps pour celui de Bronwyn Keith-Hynes). Je me suis finalement résolu, contraint et forcé, à la modernité. A contrecœur. Pas de notes de livret à consulter pendant l’écoute. Au mieux, il faut se connecter sur un PC ou un téléphone pour avoir quelques renseignements.
J’ai donc près de deux ans de retard pour le second album de Bronwyn Keith-Hynes mais il est difficile de passer sous silence un album (même non matérialisé) qui a été en tête des charts plusieurs mois et qui le méritait. J’avais pourtant de sérieuses craintes quand j’ai appris que Bronwyn interprétait elle-même les dix chansons. Sur son premier disque (Fiddler’s Pastime – Le Cri du Coyote #167), elle avait confié les chants à Tim O’Brien, Sarah Jarosz, Chris Eldridge et James Kee. Dans les groupes dont elle a été la violoniste (Mile Twelve et Molly Tuttle & Golden Highway), elle ne chantait que quelques harmonies vocales. Découvrir sa voix douce a été une très agréable surprise. Elle n’a pas un registre très large en termes de puissance ni de tessiture mais elle semble très bien connaître ses capacités et s’est forgé un répertoire à sa mesure. Elle sait aussi s’entourer avec l’apport déterminant de Dierks Bentley, Molly Tuttle ou Dudley Connell sur certains refrains. Elle a constitué une belle équipe de musiciens : Bryan Sutton (guitare), Dominick Leslie (mandoline), Jeff Picker (contrebasse), Scott Vestal ou Wes Corbett (banjo) et Jerry Douglas (dobro). Bronwyn avait composé quatre instrumentaux pour Fiddler’s Pastime. Apparemment elle n’écrit pas de chansons. Quelques-unes ont été composées par des songwriters contemporains (Maya de Vitry, Jordan Tice, Daniel Crabtree, Brenna McMillan). Celles que je préfère sont des adaptations de titres plus anciens. Bronwyn chante très bien (avec Dierks Bentley) Trip Around the Sun qui fut un succès pour Jimmy Buffett et Martina McBride, ainsi que Don’t Tell Me Your Troubles de Don Gibson. Jolie adaptation de Angel Island de Peter Rowan, plus rythmée que la version de Peter avec Tony Rice. L’ensemble est plutôt moderne, ce qui va bien à la voix de Bronwyn mais elle est tout aussi à l’aise sur des arrangements plus classiques (Riddle et Up for Losing Sleep qui a une jolie mélodie). Les musiciens sont excellents (Bronwyn la première) sur toutes les chansons. I Built A World ne compte qu’un seul instrumental, Scotty’s Hoedown du légendaire Scotty Stoneman, joué de manière flamboyante en duo avec Jason Carter que Bronwyn a épousé récemment. Vive la mariée!
Un album qui réunit deux des tout meilleurs fiddlers actuels, voilà qui n’est pas banal, et même carrément rare. Kenny Baker en a enregistré plusieurs il y a bien longtemps, avec Bobby Hicks, Blaine Sprouse et Joe Greene. Il y a aussi eu Kenny Kosek et Matt Glaser. C’était il y a quarante ans et plus. Rien de récent qui me revienne. Cleveland et Carter, qui vient de quitter le Del McCoury Band après 33 années de succès, jouent des passages en duo dans chacun des onze morceaux qui constituent l’album. C’est superbement joué (Jason et Michael totalisent 17 titres de "fiddler IBMA de l’année" à eux deux) mais Carter & Cleveland n’est pas qu’un disque de violon. Il n’y a "que" cinq instrumentaux. Jason Carter chante cinq titres et Del McCoury interprète une sixième chanson, une de ses compositions (Dreams). On connait le registre de baryton très agréable de Carter par ses précédents albums (décembre 2023) et avec les Travelin’ McCourys (février 2026). Pas étonnant que le répertoire de John Hartford lui aille à merveille. With A Vamp in the Middle est une des plus belles réussites de l’album. Carter est également excellent dans Outrun the Rain, le titre qui a cartonné sur les ondes bluegrass. Ces deux chansons donnent lieu à des duos et des solos prolongés des deux fiddlers et de leurs partenaires, Cory Walker (banjo), Bryan Sutton (guitare) et Harry Clark (mandoline). J’ai bien aimé aussi Give It Away, une composition de Tim O’Brien et Matt Combs, et le blues In The Middle of Middle Tennessee, un titre de Darrell Scott qui bénéficie de l’apport de Jerry Douglas. Du côté des instrumentaux, pas étonnant de trouver un titre de Kenny Baker, Bluegrass in the Backwoods, joué avec brio en duo par Carter et Cleveland. Ils incorporent des sonorités tsiganes dans certains passages. Les solos de Casey Campbell (mandoline) et Cory Walker sont également remarquables. L’autre pièce de choix est Arapahoe, une composition joyeuse du guitariste David Grier qui accompagne Carter et Cleveland sur ce titre avec Dominick Leslie (mandoline). Les autres instrumentaux sont moins emballants. Stoney Lonesome de Bill Monroe est trop long. Il faut quand même signaler le duo de fiddles et le solo de Harry Clark dans le traditionnel Kern County Breakdown. Carter & Cleveland fait beaucoup de place aux fiddles mais c’est avant tout un très bon album de bluegrass.
La musique de Della Mae est aujourd’hui caractérisée par l’intensité des chants. C’était déjà une des qualités du groupe depuis l’arrivée de Celia Woodsmith comme chanteuse pour le premier album I Built This Heart, en 2011. C’est encore plus vrai depuis qu’elle est associée à Vicky Vaughn (contrebasse) dont la puissance vocale a impressionné le public de Bluegrass in La Roche l’été dernier. Cette caractéristique pourrait faire verser Della Mae dans une musique plus proche du rock que du bluegrass mais les quatre musiciennes du groupe ont eu la bonne idée de convier leur productrice Alison Brown pour les accompagner au banjo sur huit des dix titres de Magic Accident (c’est le premier album de Della Mae chez Compass Records, le label d’Alison). Le banjo est presque exclusivement en back up (deux petits solos, c’est tout) mais cela suffit pour donner une couleur bluegrass aux chansons même quand il y a un batteur (trois titres) ou une accordéoniste (Jen Gunderman du groupe de Sheryl Crow). L’intensité des chants est particulièrement remarquable dans Magic Accident (composition de Celia sur le temps qui passe), Outrun ‘Em cosigné par Avril Smith (guitare), Lifeline (composition de Bruce Robison interprétée par Vickie) et Little Bird (une autre des cinq chansons écrites par Celia). Avril Smith joue de la guitare électrique sur deux titres. Les arrangements sont dominés par le fiddle virtuose de Kimber Ludiker (sur sa composition Family Tree en particulier). Les filles de Della Mae sont aussi réputées pour leur militantisme et leurs opinions tranchées qu’on retrouve dans Takes All Kinds, le gospel qui clôt Magic Accident. Pour la forme, c’est un gospel typique interprété en quartet a cappella. Mais les couplets parlent des gens qui vont à la messe le dimanche et qui, la semaine, sont des patrons à l’origine des inégalités sociales ou des politiciens qui mentent à leurs électeurs et mettent à mal la démocratie. Pas le gospel de tout le monde.
On s’en doute, Earl Jam 2 fait suite à Earl Jam (cf. décembre 2024), projet de Tony Trischka dans lequel il reprend note pour note des solos que Earl Scruggs avait enregistrés de façon informelle (et souvent en famille) en compagnie de John Hartford dans les années 80 et 90. La clé USB qu’avait récupérée Trischka comprenant environ 200 titres, il y avait évidemment de quoi faire une suite. Comme dans le premier volet, le répertoire de Earl Jam 2 est essentiellement composé de chansons, essentiellement des standards et on peut trouver qu’il manque d’originalité. Il n’y a pas cette fois de surprise comme la reprise de Lady Madonna des Beatles. Je trouve que Molly Tuttle n’a pas été gâtée en héritant du traditionnel Red River Valley à la mélodie particulièrement tarte. Sur les refrains, elle s’en sort quand même grâce au soutien vocal de Bronwyn Keith-Hynes. La plupart des autres chanteurs parviennent à s’approprier les mélodies. Billy Strings est particulièrement convaincant sur Gentle On My Mind, l’incontournable standard de John Hartford qui démarre de façon originale sur le fiddle lancinant de Michael Cleveland, faisant écho au phrasé légèrement trainant de Billy. Sierra Ferrell, accompagnée par ses musiciens et Bryan Sutton (et forcément Tony Trischka) interprète dans son style très personnel I Still Miss Someone de Johnny Cash. Avec Matt Dame au chant, les Steeldrivers sonnent comme… les Steeldrivers sur Lost John. Dudley Connell est parfait dans That’s Alright Mama propulsé par la contrebasse de Jared Engel et la mandoline de Jacob Joliff. Il y a une belle version de Down in the Willow Garden que les Gibson Brothers chantent en duo sur le seul accompagnement de banjo de Trischka/Scruggs avant une accélération du tempo et l’entrée en lice de Joliff, Cleveland et Mike Barber (contrebasse). Le groupe Sister Sadie interprète Maple on the Hill dans lequel Trischka multiplie les chokes. La chanteuse de jazz Farayi Malek chante Mom and Dad’s Waltz de Lefty Frizzell. La chanson n’est pas très excitante mais c’est joliment interprété. Bruce Molsky chante très agréablement Wish We Had Our Time Again, une composition de John Hartford que Special Consensus a également reprise sur son dernier album. Côté chants (mis à part Molly Tuttle), ma seule réserve est pour Columbus Stockade Blues par Del McCoury et son groupe. On en connait de meilleures versions. Parmi les instrumentaux, il y a deux courtes interventions de Tony Trischka en solo (Bile Them Cabbage Down et Chicken Reel). Brittany Haas et Darol Anger jouent Bill Cheatham en duo de fiddles. Duo encore mais fiddle-banjo pour Here Comes The Bride avec Michael Cleveland. Dans Old Cacklin’ Hen (crédité à John Hartford mais qui ne semble pas très différent du standard Cacklin’ Hen), Trischka, Stuart Duncan (fiddle) et Dominick Leslie (mandoline) s’amusent à imiter (presque à la perfection) la poule qui caquète. Les solos de Tony Trischka sont souvent longs (on ne s’en plaint pas), parfois en style boogie (Lost John et That’s Alright Mama). En plus des musiciens déjà cités, il faut aussi mentionner les interventions de Sam Bush et Bryan Sutton (ça non plus, on ne s’en plaint pas). Earl Jam 2 ne bénéficie pas de l’effet de surprise du premier volume mais constitue une suite réussie.
Le parcours de la banjoïste BB Bowness (prononcez « bibi » - son véritable prénom est Catherine) n’est pas banal. Néo-Zélandaise, elle apprend toute seule le banjo, devient la seule étudiante en banjo de son université et s’envole pour les Etats-Unis en 2012. Comme Bronwyn Keith-Hynes et le mandoliniste David Benedict, c’est le groupe Mile Twelve qui nous a révélé son talent. A son tour, elle publie un premier album sous son nom. Goodtime Revival comprend cinq de ses compositions instrumentales, quatre chansons et une reprise de Huckleberry Hornpipe (de Byron Berline) avec Darol Anger dans la grande tradition des duos banjo-fiddle. Ce duo est très réussi mais les compositions de BB n’ont rien à lui envier. Ce sont des instrumentaux modernes. Seul le début de The Turquoise Englishman est classique. Jed’s n°4 aurait pu être écrit par Tony Trischka. La Sciatica est un fiddle tune moderne avec une jolie mélodie. Beaucoup de douceur et des accents jazzy dans Little Galangal coécrit avec le guitariste Alex Rubin. Nelson Creek est un titre new acoustic, délicat, quasiment poétique. BB Bowness joue très bien. Elle maîtrise toutes les techniques du banjo bluegrass, du style classique de Scruggs (avec des beaux effets de main gauche – cf. Little Galangal) au single string en passant par le melodic qu’elle semble particulièrement affectionner. Elle est accompagnée par des musiciens peu connus mais qui se révèlent également de grand talent: Etian Setawan (mandoline), Avery Merritt (fiddle), Myles Slonker (contrebasse) et Alex Rubin (guitare). Bien arrangées, parfois dans un style plus classique, les chansons ne sont pas tout-à-fait à la hauteur des instrumentaux. BB n’est pas une chanteuse exceptionnelle. Elle a une voix claire, enthousiaste mais sa façon de chanter est un peu plate. Sur Train on the Island, elle compense néanmoins avec une interprétation plus dynamique que l’original de Tim O’Brien. La ballade Ruthie a une atmosphère old time malgré un banjo joué en picking bluegrass. Le chant est un peu meilleur sur le swing Can I Go Home With You de Caleb Klauder. Les qualités instrumentales de BB Bowness et ses musiciens et les compositions instrumentales compensent largement ces petites faiblesses vocales.
Della Jane’s Heart est le quatrième album de Appalachian Road Show, groupe formé en 2018 par les ex-Quicksilver et Mountain Heart, Barry Abernathy (banjo) et Jim VanCleve (fiddle) et par Darrell Webb (mandoline) dont le CV est trop long pour tenir dans ces colonnes. Leur objectif est de célébrer l’héritage culturel des Appalaches. Du bluegrass classique donc, quelques touches old time aussi, très bien incarnés par la voix de tenor de Darrell Webb dans Rosa Lee McFall, un titre de Charlie Monroe (l’oncle du bluegrass si on considère que Bill Monroe en est le père), Won’t Be Long pour lequel Appalachian Road Show a convié le banjoïste clawhammer Victor Furtado, le traditionnel Big Eyed Rabbit qui est quasiment un fiddle tune chanté, et surtout l’énergique Possum Up A Simmon Tree tiré du répertoire de Merle Travis, dans lequel le groupe retrouve l’ambiance exubérante de Jubilation, leur album précédent (juillet 2023). L’autre principal chanteur du groupe est Barry Abernathy. Il n’a jamais aussi bien chanté que sur cet album. Sa voix est magnifique dans Della Jane’s Heart (une valse dont le tempo s’accélère quand le rythme passe en 4/4) et Virginia Soldier, ballade nostalgique dont la rythmique est inspirée de la musique old time. A elles seules, ces deux chansons pourraient (devraient?) lui valoir la récompense de chanteur de l’année 2026 d’autant qu’il réalise également une magistrale performance dans le gospel Long Time Traveling, interprété entièrement a cappella, qu’il démarre seul, uniquement rejoint après le premier couplet par l’harmonie tenor de Webb. Abernathy interprète aussi très bien Me Against the Mountain mené par le fiddle de l’excellent Jim VanCleve. Depuis le premier album, Webb, Abernathy et VanCleve sont accompagnés par Zeb Snyder (guitare) et Todd Phillips (contrebasse). Je pense que c’est Snyder qui chante Step Stones, un midtempo très classique, allègre, dans lequel les musiciens se succèdent en courts solos. Les parties instrumentales sont au niveau des chants. Les musiciens font particulièrement étalage de leur talent sur l’instrumental Hell Broke Loose in Georgia mené à un train d’enfer (c’est le titre qui veut ça) par VanCleve. Snyder se distingue aussi par un solo prolongé. Signalons que c’est bien Todd Phillips qui est à la contrebasse. Il avait enregistré l’album avant les problèmes de santé qui l’empêchent actuellement de jouer. Il est atteint d’une maladie rare. Le traitement lui a déjà fait dépenser la totalité de ses économies. Il y a actuellement une campagne de levée de fonds pour réunir 100 000 dollars afin qu’il puisse se soigner et rejouer un jour. Todd Phillips est quasiment une légende de la contrebasse. Il a entre autres été membre des groupes de David Grisman, Tony Rice et Claire Lynch. Il a 72 ans et plus de 50 ans de carrière. Vive la sécurité sociale française.
Quatre albums en six ans, ce n’est certainement pas moi qui me plaindrai de cette fréquence de production. Brit Taylor possède un registre vocal qui nous rappelle Miranda Lambert et en ce qui me concerne c’est loin d’être un handicap. Son style est nettement moins moderne et se réfère parfois au bluegrass pur. Vous avez compris que je suis carrément fan de cette jeune artiste originaire des Appalaches et qui est en train de se tailler une place non négligeable dans la country actuelle entre tradition et modernité.
Ce jeune artiste Canadien bénéficie de critiques élogieuses dans la presse spécialisée. Il rejoint non pas la cohorte, le terme est un peu exagéré, quoi que, mais le groupe grandissant de ceux qu’on appelle à présent les néo-traditionalistes des années 2020. Sa voix chaude et profonde vous dégèle le cœur mieux qu’un vin chaud. Colter Wall devrait séduire plus d’une country girl avec un répertoire plutôt orienté vers les douceurs. L’album se referme sur la seule reprise, le Summer Wages d’un autre compositeur Canadien, Ian Tyson. Une valeur sûre.
Dave Miller est un vétéran de la country qui s’est produit dans tous les bars, honky-tonks et cabarets entre le Canada et le Tennessee durant près de cinq décades. Sa musique est très basique et classique et son vocal commence à moucharder ses soixante-quinze printemps. Basé à Memphis il continue son bonhomme de chemin qui le conduit invariablement vers le prochain saloon.
Les amateurs de country traditionnelle connaissent Doug Adkins. Il a vingt-cinq ans de métier, a publié douze albums et est déjà venu se produire en France. Pour ma part je l’ai rencontré en mai 2012 lors d’un concert en région lyonnaise: un garçon très abordable. Les deux caractéristiques de ce chanteur originaire de la ville de Havre située au nord du Montana et aux portes de la Rocky Boys Indian Reservation (ça ne s’invente pas!) c’est, d’une part, sa voix profonde et chaleureuse et, d’autre part, son style de country bien classique. Une country peut-être trop sage et sans surprise. Il manque ce petit country-rock ou ce tonique honky-tonk qui viendrait épicer l’ensemble.
Plus proche de Springsteen ou de Dylan que d’Alan Jackson ou Randy Travis. Le vocal rocailleux de ce chanteur l’autorise à s’exprimer dans d’autres styles que la country, c’est-à-dire du folk/rock ou tout simplement du rock. Je sauverais du lot un Grievous Angels bien cool et dépareillant agréablement du reste, The Hatfield Action qui est un vrai rock and roll qui déboule à la manière d’un Johnny B Goode. Enfin King Of Tears qui referme l’album et qui est le seul titre country.
Non, il ne s’agit pas de Katie Shore, la chanteuse du groupe Asleep At The Wheel, mais de Kenny Shore. Un sénior à en juger la photo de l’artiste sur la pochette. Avec des origines basques très certainement car un chanteur country portant un béret ce n’est pas très courant. En fait Kenny Shore est plus proche de Woodie Guthrie ou Pete Seeger que de Hank Williams. Sa country/folk s’écoute avec plaisir car l’instrumentation, bien qu’acoustique, est assez diversifiée et les rythmes suffisamment variés mais sans vous faire danser le boogie pour autant.
En quelque sorte le « dépôt vente » de Rose. Curieux nom pour un groupe mais il a le mérite d’être original. Il parait que cette formation en provenance de Los Angeles a déjà produit cinq albums. Je n’en avais jamais entendu parler mais des milliers d’artistes country ne passent pas obligatoirement par la filière Nashville ou Austin. Le banjo et le violon rappellent les origines bluegrass du groupe et le guitariste est excellent. Je regrette cependant que ces musiciens qui semblent fort bons ne sont présents que pour soutenir le leader, qui n’est pas Rose mais Paul Givant. Son vocal est correct sans être exceptionnel. Ils devraient se lâcher davantage. Cet album aurait été nettement plus attrayant.
The WAYMORES
"The Knot"
Voici un nouveau duo dans le paysage de la country traditionnelle. Ce couple nous arrive d’Atlanta et son style nous rappelle fortement Junior Brown. C’est un peu âpre mais très honky tonk. La guitare et la steel sont bien mises en avant ainsi que le vocal de basse de Willie Neal. Les chansons sont interprétées en solo par l’un ou l’autre mais le plus souvent en duo. Rien de novateur donc mais une country simple et bien classique à des lieues de Nashville.
