L'avis d'Alain par Alain Kempf

 

 L'Avis d'Alain 

 

WATKINS FAMILY HOUR

"Vol. II" 

Cri du 💚

Cette “famille” est un projet centré sur Sara Watkins et son frère Sean, respectivement violoniste et guitariste (et tous deux chanteurs) du légendaire groupe de bluegrass Nickel Creek (qui ressuscitera pour quelques concerts en 2023). Entourés d’invités divers (et généralement prestigieux), ils se produisent depuis vingt ans de manière très épisodique sous le nom Watkins Family Hour, en parallèle à leurs activités (par exemple le trio I’m With Her dont fait partie Sara). Cet album, comme son nom l’indique, n’est que le second sur cette longue période; il se compose de onze reprises de morceaux de styles divers, enregistrés avec des orchestrations variées, avec un grand talent instrumental et vocal de tous les (nombreux) participants et beaucoup d’inventivité. Les trois premiers morceaux sont des choix audacieux et rendent d’emblée l’album à la fois inclassable et mémorable. Tout d’abord The Way I Feel Inside, un morceau du groupe pop britannique The Zombies qui date de 1967, avec un arrangement vocal splendide. Ensuite Hypnotized, d’un obscur groupe de rock "indé" californien, avec un orgue lancinant, puis Pitseleh d’Elliott Thomas (un rocker décédé en 2003) aux remarquables arpèges de guitare électrique. On aborde ensuite un répertoire plus familier (à mes oreilles, du moins), mais traité de manière toujours originale : Thanks A Lot, le vieux tube d’Ernest Tubb est interprété sur un rythme syncopé à la Bo Diddley. Tennessee Waltz est chanté par Sara avec un accompagnement de piano nostalgique. Des vidéos sont disponibles pour The Late Show, de Jackson Browne, interprété en compagnie de l’auteur et She Left Me Standing on the Mountain, standard des Delmore Bros chanté avec Willie Watson (fondateur de Old Crow Medicine Show). Les amateurs de western swing se régaleront avec Remember Me (I’m The One Who Loves You), jadis chanté par Dean Martin et Johnny Cash: l’association de la pedal-steel de Greg Leisz et du violon de Sara, les vocaux avec la participation de Fiona Apple, tout est parfait! L’album se conclut par une valse country, Grief and Praise de Glen Phillips, qui se transforme en une sorte d’hymne au fil des refrains, avec un chœur où interviennent, entre autres, les Milk Carton Kids. Ce disque a été enregistré en trois jours, ce qui demande une sacrée maîtrise, vu la complexité des arrangements, mais donne aussi une belle spontanéité, avec une œuvre très vivante de la part d’une Watkins Family qui montre son éclectisme. Je n’ai pas regretté le voyage!

 

WE BANJO 3

"Open the Road" 

Ce quartet originaire de Galway (Irlande) est composé de deux paires de frères: les frères Scahill, Enda (banjo) et Fergal (violon) ; les frères Howley, David (guitare et chant lead) et Martin (mandoline). J’ai indiqué leur instrument principal, mais ils sont tous multi-instrumentistes. À l’origine, le groupe était un trio dont tous les membres jouaient (alternativement) du banjo, ce qui explique le nom We Banjo 3. Sur le disque, on entend aussi, selon les morceaux, du bodhrán, de la batterie, de la basse, des flûtes… En 10 ans d’existence et plusieurs albums, We Banjo 3 s’est construit une identité musicale singulière, qui a été qualifiée de Celtgrass : mélodiquement et harmoniquement, le folk irlandais est très présent, mais l’instrumentation et les techniques de jeu empruntent beaucoup au bluegrass. Toutefois, le banjo, particulièrement mis en avant, est essentiellement joué “à l’irlandaise”, en 4 cordes et au médiator et le jeu d’Enda Scahill est très spectaculaire. Toutes les chansons sont remarquablement arrangées, que ce soit instrumentalement ou vocalement. Je conseille de les découvrir sur la chaîne Youtube du groupe, notamment les extraits du concert donné en 2022 au célèbre Merlefest (Caroline du Nord) : Hummingbird, Open the Road, et Garden Song sont ainsi à écouter en version live. Les versions du CD sont tout aussi convaincantes, avec des instruments additionnels. On trouve aussi le clip de Gift Of Life, un morceau particulièrement sophistiqué qui lorgne vers la pop. Mais ma préférence va à l’instrumental The First Second Gentleman; je n’ai pas idée de la signification du titre, mais cette gigue complexe et virtuose vaut le détour. 

 

The RICHARD THOMPSON ACOUSTIC TRIO

"Live from Honolulu" 

Cet album réunit deux légendes du folk-rock anglais des années 60! Richard Thompson était le guitariste de Fairport Convention et mène depuis 1971 une carrière solo de chanteur, avec une discographie abondante, et des prestations innombrables de musicien de studio. Sur son site web il met en évidence une citation du Los Angeles Times : “The finest rock songwriter after Dylan and the best electric guitarist since Hendrix”. En toute modestie… Sur ce disque live, il interprète 13 de ses compositions qu’il chante remarquablement et joue à la guitare acoustique, d’une manière à la fois non-conventionnelle (il joue plutôt comme un guitariste électrique) fort intéressante. L’autre célébrité dans ce trio est le contrebassiste virtuose Danny Thompson (homonyme, mais pas apparenté à Richard) qui a fait partie du Alexis Korner’s Blues Incorporated et surtout du révolutionnaire groupe anglais Pentangle. Plus récemment, il a fait partie des fameuses Transatlantic Sessions avec les stars du bluegrass et de la musique celtique. Le troisième membre du trio est Michael Jerome aux percussions. Nous ne disposons pas d’autres informations sur cet enregistrement publié en 2022: ni l’endroit exact ni, surtout, l’année. Des connaisseurs le situent en 2006, mais en tout cas les participants sont en pleine forme et la musique sort des sentiers battus. Certaines chansons empruntent au jazz et au blues, comme Al Bowlly’s in Heaven, avec un magnifique solo de basse ou Mingus Eyes, dont il existe une version vidéo très proche de celle de l’album, qui vous donnera une bonne idée de la performance. Johnny’s Far Away est un morceau aux couleurs celtiques, Misunderstood sonne rock, One Door Opens nous rappelle le folk anglais de la grande époque, et le jeu de guitare de Richard est splendide sur Waltzing’s For Dreamers. L’interprétation vocale est tout aussi remarquable. 

 

The BROTHER BROTHERS

"Cover to Cover" 

Les harmonies vocales parfaites des frères jumeaux Adam et David Moss font indéniablement penser aux Everly Brothers ou à Simon & Garfunkel, sur ces douze reprises de chansons. L’album débute par That’s How I Got To Memphis et enchaîne sur These Days de Jackson Browne, avec un habillage de steel-guitare. Ensuite vient You Can Close Your Eyes de James Taylor, avec Sarah Jarosz en guest et toujours une orchestration country. If You Aint’t Got Love, moins connu (titre du groupe The Revelers) est plutôt pop-rétro; I Will, des Beatles est joliment orchestré avec du violoncelle et un violon qui joue pizzicato. La grande banjoïste Alison Brown est présente (avec classe!) sur deux titres et les sœurs Price, autres figures du bluegrass, chantent sur un titre jazzy. Tout s’écoute très agréablement et la technique vocale est impressionnante. Le hasard fait que sur cet album figure Waltzing’s For Dreamers de Richard Thompson, dont je venais d’écouter une version Live from Honolulu par l’auteur (CD chroniqué ici également), très rugueuse et poignante, alors que celle des Brother Brothers est toute “propre”, quasiment édulcorée. Même remarque à propos de la reprise très "lisse" du titre de Tom Waits Flower’s Grave. Bref, un disque très joli, mais parfois trop poli! 

 

Amy SPEACE

"Tucson" 

J’avais aimé l’album précédent de la chanteuse-songwriter américaine paru l’an dernier, dont les textes évoquaient le décès récent de son père. Elle a ensuite sombré dans une période de dépression qui lui a inspiré 6 des 7 chansons de ce nouvel album, le disque se terminant par une reprise de My Father’s House de Bruce Springsteen. Tout est bien interprété, dans un registre folk-rock mélancolique, mais musicalement rien ne m’a particulièrement accroché. 

 

Mary GAUTHIER

"Dark Enough to See the Stars" 

D’emblée on est captivé par la voix et la diction singulières de Mary Gauthier, par le texte simple et émouvant de Fall Apart World qui célèbre l’amour en rempart contre l’adversité. How Could You Be Gone, qui parle d’un deuil est dans le même registre, avec des structures harmoniques simples, un refrain facile à reprendre. L’ambiance musicale du disque oscille entre blues, soul, country et gospel avec une belle instrumentation où la couleur est donnée selon les morceaux par l’orgue Hammond, la guitare électrique ou la pedal-steel (voir par exemple la vidéo officielle du morceau-titre “Dark Enough to See the Stars”). On pourra regretter tout de même que les dix chansons soient toutes sur un tempo medium-lent trop uniforme.

 

DEAD HORSES

"Brady Street" 

Dead Horses est un duo basé à Milwaukee, composé de la chanteuse-songwriter Sarah Vos et du bassiste Daniel Wolff, qui sortent leur quatrième album (10 titres). On est dans un style folk-rock plutôt électrique, avec interprétation vocale très convaincante de Sarah Vos. Les morceaux sont construits sur des nappes de guitares qui créent des climats qu’on pourra trouver envoûtants si on accroche ou lassants dans le cas contraire. Vous pouvez vous faire une bonne idée à partir de la vidéo du morceau-titre Brady Street.

 

 

Michelle RIVERS

"Chasing Somewhere"

 Cette chanteuse-songwriter originaire du Montana, mais basée à Nashville, est bien entourée pour ce deuxième album (15 titres) : on y trouve par exemple le légendaire Al Perkins à la steel-guitare ou Barry Bales, le contrebassiste d’Alison Krauss. Le premier morceau Going West est très entraînant et combine l’instrumentation country (pedal-steel, guitare électrique, batterie) et bluegrass (banjo, fiddle). Gone est une autre chanson dans ce style, évoquant les grands espaces. Tout est bien interprété et bien produit, mais l’intérêt des pistes est irrégulier. 

Du Côté de chez Sam par Sam Pierre

 

L'actualité musicale est riche dans l'hexagone. J'ai choisi, pour cette édition spéciale Made in France de "Du Côté de chez Sam" de vous présenter les œuvres de six artistes que j'apprécie. Quatre viennent de Paris et sont plutôt anciens (ente 93 et 79 ans). Les deux autres, plus jeunes, vivent dans le Grand Est. 

 

Hugues AUFRAY

"Intégrale 1959-2020" 

D'abord, d'abord, y'a l'aîné. 93 ans depuis le mois d'août et toujours bon pied bon œil. Cette compilation de vingt-quatre disques va combler plus d'un de ses supporters de longue date. Plus de soixante ans que ce natif de Neuilly est sur le pont. Il fait partie de notre histoire, il a abordé tous les genres, depuis son groupe skiffle jusqu'à la variété (de qualité) sans jamais se renier. Nous avons tous des souvenirs, plus ou moins anciens. Dans ma mémoire revient Y'avait Fanny qui chantait, un titre que j'entendais et fredonnais sans même savoir le nom de son interprète. Je n'avais pas dix ans, j'habitais une ville de garnison et c'était la guerre d'Algérie. C'est sans doute pour cela que les paroles me touchaient (et me touchent toujours, si longtemps après). Et puis il y a eu les reprises de Bob Dylan que j'ai aimées (surtout La fille du nord, L'homme orchestre et Cauchemar psychomoteur) sans savoir que j'allais aimer Dylan. Ce fut ensuite Stewball (sur le même maxi 45 tours que Céline) que j'ai adoré sans savoir que j'allais adorer le folk américain. Quoi qu'il en soit, ce coffret regroupe tous les albums studio de Hugues, auxquels s'ajoutent trois disques de titres publiés en EP et 45 tours simples, ainsi que deux CD bonus, constitués essentiellement de duos et de reprises (de Guy Béart à Georges Brassens, en passant par Joe Dassin et Gérard Lenorman). Bien sûr, les esprits chagrins trouveront à redire. Pour certains, comme toute intégrale, elle n'est peut-être pas tout à fait exhaustive (j'ai personnellement détecté un titre absent: Je ne suis plus maître chez moi). Pour d'autres, c'est l'effort sur le son (remasterisation) qui n'a pas été suffisant. Ceux-là oublient qu'ils ont éprouvé du plaisir à écouter les chanson des premières années sur des vinyles qui craquaient ou sur des radios même pas FM. De même, à par la liste des titres et le nom des auteurs compositeurs, l'album (essentiellement consacré à des photos), ne comporte aucun détail. Qu'à cela ne tienne, cette intégrale ravira tous ceux qui avaient usé leurs vinyles. Et puis, 24 CD pour une centaine d'euros, c'est un cadeau!

 

Jean-Pierre KALFON

"Méfistofélange" 

Acteur et rocker, associé longtemps à son ami Jacques Higelin, Jean-Pierre Kalfon n'a "que" 84 ans. Il n'avait pas publié d'album depuis 1993 et Black Minestrone, son seul LP qu'il considère d'ailleurs comme un projet pas vraiment abouti (mais d'un grande qualité, à mon humble avis). Il a débuté au cinéma à la fin des années 50, a enregistré ses premiers disques au milieu des années 60, cultivant au fil des années son côté dandy, punk-rock avant l'heure, sombre et un peu inquiétant. Dès les premières notes, le doute, s'il y en avait un, est levé, nous avons affaire à un disque de rock, plutôt brûlant, où guitares et cuivres s'en donnent à cœur joie. Et c'est ainsi jusqu'au dernier titre, Train fantôme, seul moment calme avec guitare acoustique et violons. La chanson d'ouverture, Noire la nuit, partie de l'idée que les nuits sont moins vivantes de nos jours qu'il y a quelques années, a pris une résonance particulière avec le contexte de la guerre d'Ukraine: "À venir dans la nuit / Peut-être des tonnes de bombes / Militaires ces habits, plus d'abris / Mais des bombes mais des bombes". L'inspiration est là aussi pour Chope le cash "Derrière le CAC / 40 voleurs-scélérats / Qui bricolent au fond d'un sac / Te laissent baba". Tout cela pour dire que JPK, qui a écrit tous les textes, n'a jamais été autant en verve. Il en est de même pour sa voix dont il n'a jamais été aussi satisfait, en grande partie parce que l'album a été parfaitement produit et arrangé par sa bande de musiciens, ce qui n'était pas le cas pour Black Minestrone, enregistré sans véritables moyens. On retiendra les titres composés par Paul Ives (Partie de la party, Sextoy, Retour solo et Championne) et les deux totalement dus à Jean-Pierre, Costard et Gypsies Rock'n Roll Band (relecture d'un morceau déjà paru en 1983). La plupart des autres morceaux ont été composés par Hugo Indi et/ou Rurik Sallé, les guitaristes. Ce dernier est responsable du morceau titre, écrit pour Amy Winehouse, à qui l'album est dédié: "Amy t'as tout aimé / T'as tout brûlé / Ta vie amie / Transformée en ennemie / Tu es vite partie, tu évites le pire / L'ennui des jours / Des nuits d'amour sans avenir". Méfistofélange, moitié diable moitié ange, c'est un peu Jean-Pierre Kalfon, c'est un peu Amy Winehouse, mais c'est aussi chacun d'entre nous et, en tout cas, un album salutaire. 

 

Eddy MITCHELL

"Country Rock" 

Eddy Mitchell vient de fêter ses 80 ans. Avec cet album paru il y a un an, il démontre qu'il les porte bien. C'est le dernier disque avec son complice de toujours Pierre Papadiamandis (qui l'a co-produit avec Alain Artaud et a coécrit sept des douze titres). Ce dernier nous a en effet quittés en mars dernier. Comme à l'accoutumée, Schmoll s'est entouré des meilleurs. Côté américain, il y a Charlie McCoy, Bill Payne, Russ Hicks, Bernie Dresel. La France est bien représentée avec les fidèles Michel Gaucher, Michel Amsellem, Basile Leroux, Jean-Yves d'Angelo et les "nouveaux arrivants" Jean-Yves Lozac'h et Laurent Vernerey. Country Rock présente un parfait équilibre entre country à la française et rock, entre ballades (majoritaires) et morceaux plus rythmés comme Garde tes nerfs (coécrit avec Calogero) ou C'est la vie, fais la belle (reprise de You Never Can Tell), entre pedal steel et cuivres. On notera la chanson Un petit peu d'amour, dédiée à "plus qu'un ami, un demi-frère, presque un sosie", Johnny Hallyday. L'un des titres les plus forts est Droite dans ses bottes qui évoque avec pudeur un drame vécu par trop de femmes: "Il lui a volé l'enfance / Son sourire et son innocence / Ce monstre venu de la nuit / Mais droite dans ses bottes / Elle n'a plus peur / Ne craint personne". Country Rock confirme que Claude Moine est l'un des tous meilleurs paroliers de la chanson française de ce dernier demi-siècle. Et Eddy Mitchell chante toujours avec les mêmes conviction et passion, d'une voix intacte après soixante ans de carrière. Et j'ai peur qu'il ne soit pas exaucé quand il clôture l'album avec le swinguant Ne parle pas de moi: "ne parle pas de moi quand j' serai plus là".

 

Jacques & Thomas DUTRONC

"Dutronc & Dutronc" 

S'il est un disque qui arrive comme une évidence, c'est bien celui-ci, tellement père et fils ont plus en commun que le nom et la filiation. S'il n'est pas arrivé plus tôt, c'est parce que le moment n'était pas venu. La tournée des Vieilles Canailles, la mort de Johnny et la paresse légendaire de l'aîné (qui a quand même 79 ans) ont été autant d'obstacles à un projet qui devait mûrir dans la tête des deux artistes. Pour ce disque, Jacques à laissé sa guitare binaire et son Diddley-beat à la maison, laissant Thomas apporter sa touche jazz et swing. Mais d'autres pointures de la six cordes sont là, comme Fred Chapellier et Rocky Gresset. Père et fils chantent en duo sur la plupart des titres, Thomas se chargeant seul du seul le morceau de clôture (signé des deux Jacques, Lanzmann et Dutronc), À la vie, à l'amour. Il est d'ailleurs difficile parfois de savoir qui chante, tellement les timbres sont proches. L'album est composé de quatre titres de Jacques, quatre de Thomas, et cinq autres de Jacques. Si certaines chansons ont une sonorité plus moderne (comme Aragon), on reste la plupart du temps dans le domaine du rock, plus teinté de swing que dans les versions originales et l'on se réjouit à réentendre L'opportuniste, J'aime les filles, Gentleman cambrioleur, Le responsable, Et moi, et moi, et moi, Sur une nappe de restaurant, Il est cinq heures, Paris s'éveille (avec un solo de guitare de Rocky Gresset qui fait oublier la flûte de la version originale), ou Les Cactus. Loin de la nostalgie et du passéisme, les Dutronc nous offrent un disque réjouissant, plein de verve et de plaisir de jouer et chanter. 

 

FRASIAK

"Le tumulte des choses" 

Voici le septième album studio d'Éric Frasiak, si l'on excepte les deux consacrés à François Béranger. Le jour de ses 64 ans, disparaissait un autre de ses maîtres à chanter, le Vaudois Michel Bühler, avec qui il partageait le goût de la belle langue française mais aussi celui de la défense, sans violence, des belles causes. Frasiak ne peut pas être résumé à une étiquette mais il représente pour moi le folk de chez nous, comme un cousin de l'Américain Tom Paxton. Le verbe est fort mais jamais violent, sauf peut-être quand il évoque, dans des albums précédents, les cons qui, d'ailleurs, le sont trop pour se sentir visés. Ce côté folk est surtout sensible quand on le voit sur scène, en duo guitares. Mais sur le fond, tout est là. L'écologie, avec La colère de Greta, le COVID et toutes ses conséquences, avec Non-essentiels, Couvre-Feu, L'ennemi invisible, la défense animale avec Galgos, dédié à ces lévriers martyrisés pour le plaisir en Espagne. Il y a aussi une nouvelle chanson en forme de bilan, Ma jeunesse ("Ma jeunesse n'a pas d'âge mais ne se ride pas / Elle a fait le ménage sur ce qui compte ou pas"), une chanson d'amour (L'amour idiot) et puis l'humour auto-dérisoire de Trop de mots dans ma chansons (ou comment être sûr de ne pas être médiatisé) et Le trou de mémoire. Et puis il y a l'émotion de L'ordre des choses (aux amis partis…) et aussi Salut Frangin, chanson sans paroles, totalement solo, hommage bouleversant à son frère Romän, disparu en août dernier, à 70 ans. Côté reprises, il y a Léo Ferré et une superbe interprétation de La mémoire et la mer, où les guitares d'Éric se posent sur quelques cordes (violon et violoncelle) et un piano. Plus surprenante est celle de Rêver de Mylène Farmer avec juste les voix et la guitare acoustique de Frasiak et la pedal steel de Jean-Yves Lozac'h. Ce dernier est d'ailleurs présent sur huit des quinze titres de l'album. Le violoncelle de Patrick Leroux et l'accordéon du fidèle Canadien Steve Normandin sont également à l'honneur comme le sont les partenaires de scène Benoît Dangien (claviers), Philippe Gonnand (basses et clarinette) et Jean-Pierre Fara (guitare électrique). On note aussi un bel hommage à un petit festival marnais, Le Festival Grange: "Au début c'était rien qu'une grange / Où v'naient chanter deux ou trois copains / Et maint'nant c'est l'Festival Grange / Dans la vallée du P'tit Morin". Pour terminer, Au bercail constitue la chanson idéale pour boucler un concert (c'est ainsi que je l'ai découverte), à la manière de Ma plus belle histoire d'amour de Barbara. "Vous allez retourner à vos vies de mystère / Chacun de son côté retombe sur la terre / Dans le vent, la musique et les voix vont se perdre / De ces heures électriques plus que rosée dans l'herbe / Reviendra, les amis, le temps des retrouvailles / Déjà longue est la nuit, et je rentre au bercail". C'est la chanson idéale pour permettre à chaque musicien de prendre un dernier solo, de prolonger un peu le moment magique du concert. Éric y démontre ses qualités de guitariste (acoustique et électrique), comme dans d'autres titres et l'on sent son amour pour des géants comme David Gilmour, Neil Young, Jorma Kaukonen ou encore Mark Knopfler (cf. l'introduction de L'amour idiot). J'ai écrit géant? Frasiak est trop humble pour revendiquer ce qualificatif, mais il fait assurément partie des grands, toutes catégories confondues.

 

PROKOP

"Love Letters From Across The Street" 

Prokop Boutan est un artiste à part, un OVNI. Ce Strasbourgeois, élevé à Hull, avec des origines tchèques, est un passionné du folk traditionnel. Son 33 tours The Confinment Tapes avait d'ailleurs fait l'objet d'une chronique dans le Cri du Coyote (n° 168). En 2022, à l'heure où plus grand monde n'achète de disques, il nous gratifie d'un triple CD, chanté en Anglais, Love Letters From Across The Street, sur la pochette duquel son nom ne figure même pas au recto. Vingt-huit titres pour cent-sept minutes d'écoute, par loin de deux heures de plaisir. Chaque disque a un titre: The Backyard, The Sidewalk, The Pub, chacun commençant par If I Make It (#1, #2, et #3). Voici comment le songwriter présente son œuvre: "Love Letters From Across The Street est un ensemble de chansons que j’avais dans ma besace en arrivant d’Angleterre. Ce sont des lettres, des considérations que j’écrivais en pensant aux gens ou en regardant par la fenêtre au travers de la chaleur des pubs de Hull. Il me semblait donc difficile de les dissocier, c’était un ensemble cohérent". Dans une interview, il explique aussi que cette ville ouvrière où il a grandi est au confluent du folk social et du punk. On n'est jamais bien loin d'un Ewan MacColl, par exemple (quelques notes de Dirty Old Town peuvent par exemple être entendues au début de la chanson Love Letter), on a souvent l'impression d'être dans l'ambiance d'un pub anglais avec des arrangements dont la spontanéité est une force, liée aux conditions d'enregistrement: une bande de potes (The Bread Delivery Service) réunis dans un manoir autour de Prokop. Mais au-delà de ce joyeux désordre apparent, on se rend vite compte qu'on a affaire à un véritable auteur-compositeur, qui a beaucoup d'histoires à raconter (Rust On The Dew est le premier titre qui accroche immédiatement) sur des mélodies qui s'incrustent vite. On poursuit ce voyage improbable avec Le départ de Lyon (un instrumental) pour entendre The Call Of The Lorelei avant de rencontrer les marins de Whiskey & Tattoo. On croise aussi des personnages qui ont pour noms Old Joe et Lucille, on savoure l'enchaînement de Black Coffee & Whiskey et Cleveland Way et, si l'album se termine par Wind Of Boredom, il engendre tout sauf l'ennui. Le jour où je l'ai reçu, je l'ai écouté deux fois de suite sans une seconde de lassitude. Il y a comme un parfum de bricolage, on se demande d'où vient cette émotion que l'on ressent en l'écoutant. Bricoleur et magicien en même temps, Prokop a su insuffler une âme véritable qui imprègne les vingt-huit compositions. La liberté laissée aux musiciens, aux noms improbables (Santiag Bob, Sophy-Ann Pudwell, Jean-Banjo, John Eastwolf, Churchman, Mighty M, der Zauberer Matthäus Hoffmann) n'a pas été galvaudée mais utilisée comme le liant qui fait les grands disques. On sait d'où vient Prokop et, si l'on ne sait pas encore où il va, on peut parier qu'il ira loin. Il nous offre avec Love Letters From Across The Street un kaléidoscope de couleurs musicales qui défie les étiquettes et n'a pas fini de réjouir nos oreilles avides.

Avenue Country par Jacques Dufour

 

Case HARDIN

"Lucky Him" 

Voici un album qui n’a rien de révolutionnaire mais qui contient une belle pépite avec l’étonnant country-rock Alcohol Abuse. Si des groupes non anglophones avaient l’idée de reprendre ce titre rapide ils auraient intérêt à s’exercer quelques temps pour ne pas la chanter en yaourt. Le dixième titre est une belle reprise acoustique du Sing Me Back Home de Merle Haggard. Case Hardin est un bon chanteur de country mais qui ne se démarque guère de beaucoup d’autres Texans.

 

ALVARADO ROAD SHOW

"Buckles And Busted Bones"

  L’illustration de pochette qui nous montre un cowboy galopant dans un paysage de western n’a aucun rapport avec le contenu de cet album. Il s’agit bien de country music, mais ordinaire, et qui ne narre en rien l’existence des garçons vachers dans le grand ouest. Le chanteur, com-ment s’appelle t-il d’ailleurs? Alvarado? possède un vocal agréable et puissant. L’accompagnement est des plus country mais un peu trop axé sur les ballades. Néanmoins à écouter et peut-être à adopter. 

 

 

Charles Wesley GODWIN

"How The Mighty Fall" 

Cet album bénéficie de beaux passages de pedal steel guitar et de fiddle mais le contenu est plus folk que country et je n’ai pas réellement décollé à l’écoute de ces ballades. Charles Wesley Godwin se débloque curieusement lors d’un rock and roll inattendu mais l’ambiance générale est plutôt paisible. Ce sont les adeptes des singer/songwriters qui trouveront leur compte.

 

 

James Scott BULLARD

"The Rise And Fall Of…" 

Du bon et du moins bon dans cet album. Mais le bon l’emporte sur les chansons moyennes. James Scott Bullard possède un vocal attachant et il nous offre plusieurs chansons country bien soutenues par la pedal steel guitare. Bon, certaines sont un peu dans le même registre mais néanmoins bien agréables à l’oreille. 

 

 

 

Jacob BRYANT

"Bar Stool Preacher"

 A l’écoute du premier titre, Well Whiskey (Discount Cigarettes), qui est un excellent honky tonk bien rythmé, je commençais à me pourlécher les babines. Si les douze autres morceaux sont un tant soit peu de cet acabit, on va se régaler. Las, ça n’a pas du tout suivi derrière. On a du rock lourd mais pas vraiment de country à part deux ou trois ballades correctes. Pourtant la voix de Jacob Bryant serait pas mal s’il ne la rudoyait pas pour sonner rock même dans les titres lents. Pas grand-chose à sauver, mais on se repasse quand même le titre en ouverture. 

 

 

The BROKEN SPOKES

"Where I Went Wrong" 

Voici une formation qui fait un bon usage de la pedal steel guitare et du fiddle. Forcément elle nous vient du Texas. La reprise de deux grands classiques du honky tonk, Drivin’ Nails In My Coffin (Ernest Tubb) et Honky Tong Song (Webb Pierce), nous renseignent immédiate-ment sur l’authenticité de la musique de ce sextet de Houston. C’est bien la country classique et le honky tonk qui sont remis au goût du jour. Dans leur démarche de préservation de la country des années 50 ils ont toute ma sympathie. 

 

Martha SPENCER

"Wonderland" 

Le premier album de cette chanteuse un tantinet rétro était paru en 2018. On retrouve sur cette nouveauté les mêmes éléments, à savoir une musique acoustique qui présente au premier plan le fiddle et le banjo pour des sonorités parfois bluegrass, parfois hillbilly et parfois folk. Il y avait deux instrumentaux favorisant le banjo sur le premier album et un seul cette fois-ci. Chistian Labonne sera déçu. Pas de rockabilly. Le précédent nous offrait une reprise de Hard Headed Woman (Wanda Jackson / Elvis). En dehors de une ou deux chansons anciennes Mar-tha nous propose deux reprises de styles entièrement différents. Le Summer Wine (Nancy Sinatra / Lee Hazlewood) en duo avec un certain Kyle Dean Smith, et le traditionnel Walking In Jerusalem avec un groupe de bluegrass / gospel. Il est à signaler deux duos avec le regretté Luke Bell qui s’est ôté la vie en septembre dernier, sur une valse lente et un hillbilly. Certainement son ultime présence dans un studio d’enregistrement. Le vocal de Martha Spencer, dans les aigus, peut ne pas plaire à tout le monde mais il convient pour ce style de musique traditionnelle. 

 

Della HARRIS

"Let’s Do this" 

De la country moderne mais qui se retient de verser dans la pop nashvilienne indigeste. Cet album ouvre sur un bon country-rock, enchaîne sur un tempo similaire mais un peu plus moderne. Les titres qui suivent, plutôt new-country, offrent moins d’intérêt. Ils ne reflètent pas une grande originalité. Les trois dernières chansons sont assez plaisantes mais sans sortir d’une certaine routine commune à bien trop d’albums. Certes il est difficile de se démarquer de ses condisciples mais cette chanteuse Australienne ne possède pas le "truc" en plus qui la distinguerait de la masse. 

 

Bluegrass & Co. par Dominique Fosse

 

  Tray WELLINGTON

"Black Banjo" 

Cri du 💚

Le jeune banjoïste Tray Wellington, découvert avec le groupe Cane Mill Road (Le Cri du Coyote n° 160), publie son premier album. Avec un titre comme Black Banjo, je m’attendais à de la musique roots, dans la lignée des disques de Carolina Chocolate Drops. Black Banjo est au contraire un disque de bluegrass moderne. Trois titres sont fortement influencés par le jazz. Dans Black Banjo, ce n’est pas le banjo qui est noir, c’est le banjoïste. C’est suffisamment rare pour être signalé (à ce niveau de notoriété, c’est même à ma connaissance unique) mais - blanc ou noir ou jaune - l’essentiel est que Tray Wellington soit un excellent banjoïste et un bon compositeur. Il a écrit huit des onze titres, joués avec tout l’éventail des techniques du picking bluegrass. Style Scruggs pour Georgia Turnaround, titre le plus classique de Black Banjo, single string pour les morceaux jazz et beaucoup de melodic pour le reste. Wellington excelle dans toutes les techniques mais c’est son style melodic qui le rend, à mon avis, le plus original. On en entend notamment dans ses bonnes compositions Crooked Mind, Port Of Manzanita, Night Fall Rendezvous et Pond Mountain Breakaway, très inspiré par Béla Fleck. Il a aussi écrit deux chansons, Wasted Time, légèrement jazzy, chanté avec Tim O’Brien, et Saw A Little Boat qu’il interprète avec un timbre un peu sourd bien assorti à son banjo accordé plus grave que le standard habituel. Parmi les trois titres jazz, il y a une composition, la valse Unknown Days Waltz. Pour Naima de John Coltrane arrangé en trio avec violon et contrebasse, Tray Wellington a ajouté un passage rappé. Le dernier titre jazz est Strasbourg Saint Denis, une composition du trompettiste Roy Hargrove qui comprend de bons passage en duo ou en dialogue entre Wellington et le mandoliniste Wayne Benson. L’autre reprise est Half Past Four, tiré du répertoire de John Hartford et qui ressemble beaucoup au traditionnel Rickett’s Hornpipe dans l’arrangement de Wellington. J’ai trouvé les morceaux jazz un peu moins intéressants que les autres mais je pense que c’est affaire de goût personnel. Wellington compose bien. J’ai été vraiment séduit par sa technique et le son de son banjo. Ses accompagnateurs brillent également à ses côtés. Wayne Benson bien évidement, le guitariste Jon Stickley et trois jeunes fiddlers, Lindsay Pruett (qui fait partie du trio de Stickley), Carley Arrowood (qui a joué plusieurs années avec Darin & Brooke Aldridge et entame une carrière solo) et Avery Merritt qui se distingue notamment dans Port Of Manzanita et Georgia Turnaround. 

 

The LONG JOHN BOTHERS

"Often Astray" 

Cri du 💚

Révélation du festival bluegrass de La Roche-sur-Foron en 2021, le groupe suisse The Long John Brothers a largement confirmé son talent lors de l’édition 2022 et avec la sortie de son second album, Often Astray. La formation genevoise a beaucoup de qualités. Celle qui lui donne toute son originalité est la voix chaude de son guitariste Sylvain Demierre, magnifique sur un blues comme Mère Royaume, un bluegrass classique (Groundhog Days) ou un slow (Regrets and Sorrows). Une voix qui a la puissance de Scotch Barley, le chanteur de Hayseed Dixie dans Something Creepy In The Gutter, et qui sait trouver la profondeur et les graves d’un Louis Armstrong dans Morning Star! Voilà qui n’est pas banal. Il forme un excellent duo avec Jean-Michel Pache (mandoline), l’autre chanteur des Long John Brothers, notamment dans l’excellent Crankset. La voix haut perchée, beaucoup plus typique du bluegrass de Jean-Michel s’illustre aussi sur plusieurs titres, notamment For The Love Of Myself. Les harmonies à trois et quatre voix sont un autre point fort du groupe. Les quatre voix sont dans une tessiture plus grave que les quartets bluegrass habituels dans Morning Star et Rambling Mummy. C’est original et encore une fois réussi. J’aime aussi la fin à la Fox On The Run de At The Foot Of The Mountains. Les douze chansons ont été composées par les membres du groupe. Elles sont souvent marquées par le blues, ce qui va bien aux deux chanteurs. J’ai beaucoup aimé les arrangements, avec de nombreux passages ou deux instruments sont en duo. Olivier Uldry joue un très bon solo de banjo dans Crankset mais c’est surtout au dobro que je le trouve remarquable. Il complète parfaitement la voix de Sylvain Demierre dans Regrets and Sorrows et apporte beaucoup aux arrangements de Mère Royaume et Troubles In Sight, chanson qui démarre sur une rythmique rock. Demierre, Pache, Uldry et Sylvain Merminod (contrebasse) sont de bons musiciens. Ils étirent le dernier titre du disque sur presque sept minutes avec une succession de solos. Often Astray est le très bon album de bluegrass d’un groupe qui n’a guère d’équivalent, ni en Europe, ni aux États-Unis. 

 

Shannon SLAUGHTER

"Ridin’ Through The Country" 

Est-ce parce que Shannon Slaughter pensait que quatre titres de son nouvel album Ridin’ Through The Country étaient meilleurs que les autres qu’il a demandé à Adam Steffey d’y jouer de la mandoline ou est-ce parce que Steffey joue sur ces quatre morceaux (avec Jason Davis au banjo pour trois d’entre eux) qu’ils m’apparaissent comme les plus réussis du disque? Toujours est-il que la voix de Slaughter a la même douceur que celle de Ronnie Bowman dans le countrygrass Ridin’ Through The Country et que Hard A’ Part sonne comme du Lonesome River Band période Bowman-Tyminski. Quant à Plus One More Day, on le croirait tout droit sorti d’un album de Blue Highway. Il faut dire que la chanson a été composée par Tim Stafford et Bobby Starnes et que Shawn Lane est au soutien vocal de Slaughter sur le refrain (comme sur tout l’album). Comme les deux premiers titres cités, Goin’ Up The Mountain est une composition de Slaughter, bien chantée, avec une jolie intro de Steffey. Adam Steffey est excellent sur les quatre chansons où il joue. La réussite de Plus One More Day doit aussi beaucoup au style très rythmé de Jason Davis. Sur les autres chansons, Slaughter est accompagné par Ronald Inscore (mandoline) et Trevor Watson (banjo). Gaven Largent est au dobro sur quelques titres et Aubrey Haynie au fiddle sur presque tout l’album. Inscore et Haynie sont excellents dans Alberta Clipper mais ce genre de chanson plus classique (tout comme Bloody Bill et Where I’m Bound) convient moins bien à la voix de Shannon Slaughter. Le dobroïste Gaven Largent apporte beaucoup aux titres plus lents, les ballades Common Ground et I Let Her Go, qui mettent en relief la voix chaude de Slaughter. Le reste est varié (blues, chanson country avec pedal steel, gospel, une valse patriotique – mais empreinte de tolérance – I Stand For The Flag) mais moins réussi. Et Shannon Slaughter ne peut pas s’empêcher (comme dans Hold On To Your Heart, son précédent disque – Le Cri du Coyote n° 165) de nous infliger deux titres chantés par ses enfants. Elles n’auraient jamais dû sortir du cercle familial… 

 

Dave ADKINS

"We're All Crazy" 

Dave Adkins a une voix puissante, gutturale et bluesy dans le style de Chris Stapleton. Ses interprétations ont gagné en subtilité depuis son précédent album Right Or Wrong (Le Cri du Coyote 158). Des progrès confirmés par son nouvel disque, We’re All Crazy, qui compte dix chansons arrangées en bluegrass contemporain. Le style Scruggs de Jason Davis (banjo) et les glissés de Jeff Partin (dobro) sont joliment associés sur presque tous les morceaux. Ils sont bien secondés par Aaron Ramsey (guitare) et Will Clark (mandoline). Le fiddler George Mason est en vedette dans Blind Hawg. Les trois premiers titres, Dixieland Delight, We’re All Crazy et surtout Dear Departed (de Shawn Camp) ont des mélodies marquantes et sont de vraies réussites. Traveller se distingue par le solo très blues de Partin. Headed For The Hills et Cold Hearted Woman (la seule composition d’Adkins dans We’re All Crazy) sont également très agréables. 

 

COUNTRY GONGBANG

"We All Need Bluegrass" 

Les musiciens coréens de Country GongBang se sont produits pour la première fois en Occident lors du dernier festival Bluegrass In La Roche, confirmant tout le talent montré dans les vidéos qui les avaient fait connaître sur internet lors du confinement. Leur premier album, We All Need Bluegrass, relève presque du miracle pour un groupe qui a appris en regardant des vidéos sur YouTube, sans contact direct avec d’autres musiciens bluegrass. En public ou en vidéo, le visuel, le capital de sympathie que dégage un groupe gomment les petits défauts. L’écoute répétée du disque ne pardonne rien. Et We All Need Bluegrass a toutes les qualités des enregistrements des bonnes formations américaines. Le son est excellent. La rythmique est impeccable. Les solos sont remarquables surtout au fiddle. Country GongBang joue tout aussi bien du bluegrass classique que du contemporain ou du countrygrass. Born To Be Chicken a un solo de guitare légèrement swing. Une chanson (toutes les notes du livret et six des neuf titres sont en coréen – pas facile pour en parler) est très inspirée du style d’Alison Krauss & Union Station. J’aime moins quand le countrygrass tire trop vers la country. Tous les morceaux sont chantés en coréen. On avait découvert avec Youn Sun Nah que c’était une langue qui convenait au jazz. On s’aperçoit qu’elle va aussi très bien au bluegrass, surtout quand elle est chantée par la voix douce de Yebin, la mandoliniste du groupe. Avec la Norvégienne Rebekka Nilsson (Hayde Bluegrass Band) et l’Irlandaise Tabitha Benedict-Agnew (Cup O’ Joe), elle est aujourd’hui parmi les chanteuses étrangères qui peuvent prétendre rivaliser avec les meilleures américaines.

 

BLUEGRASS 2022 

De 1995 à 2001, Scott Vestal, Wayne Benson et différents musiciens au fil des années ont enregistré une série d’albums instrumentaux intitulés Bluegrass ‘95 jusqu’à Bluegrass 2001. Vestal a repris le concept en 2020. Pour Bluegrass 2022, il a conservé Cody Kilby (guitare) de l’édition 2020, récupéré Randy Kohrs (dobro) qui avait participé à plusieurs disques des années 90 et complété la formation avec Tim Crouch (fiddle), Byron House (contrebasse) et un jeune mandoliniste de 21 ans, Jonah Horton. J’ai trouvé ce disque plutôt décevant. En partie la faute au répertoire. Les disques précédents associaient de grands classiques avec quelques titres plus obscurs et des compositions des musiciens eux-mêmes. Ici, sur dix titres, aucune composition et cinq standards archi-connus, archi-joués dont on connaît de meilleures versions. Lonesome Fiddle Blues démarre sur le riff de contrebasse qui faisait l’originalité de la version de New Grass Revival mais l’accompagnement manque de vigueur par la suite. A l’inverse, la rythmique de Train 45 est presque brutale. Je ne trouve pas très heureuses les syncopes rythmiques dans la seconde partie de Blackberry Blossom. Reuben a une intro électro originale mais les solos manquent de brio. Gold Rush est plutôt mieux. C’est le standard le plus proche des versions classiques. Un peu moins joué, le traditionnel John Hardy a de bons solos de banjo et de mandoline. Dans Welcome to New York de Bill Emerson et Doyle Lawson, Horton et Kilby jouent des solos légèrement jazzy bienvenus. Le groupe a également adapté deux morceaux venus du courant new acoustic, EMD de David Grisman et Tipper, une des rares compositions que Tony Rice nous ait laissées. Scott Vestal s’intègre bien dans ces instrumentaux dont les versions originales avaient exclu le banjo. Horton et Kilby sont à la hauteur du challenge que représente la reprise de titres de Grisman et Rice. Tipper est la seule réelle surprise de ce disque avec l’adaptation instrumentale de Steam Powered Aereoplane, une chanson de John Hartford, plutôt réussie, surtout pour le solo de banjo en intro.

Du Côté de chez Sam, par Sam Pierre

 

The WILLIAMS BROTHERS

"Memories To Burn" 

Il y a d'autres Williams Brothers dont le territoire est le gospel. David et Andrew Williams sont des jumeaux nés en 1959 qui marchaient plutôt sur les traces des Everly Brothers. Si j'emploie l'imparfait, c'est parce qu'ils ont enregistré trois albums chez Warner Bros entre 1987 et 1993 et que ce disque, Memories To Burn a été enregistré et mixé en 1995 par Andrew, directement sur une console 2 pistes, dans son studio pour n'être publié qu'en 2022 sur Regional Records. Derrière les superbes harmonies fraternelles et la guitare d'Andrew, on ne trouve que trois hommes, et non des moindres: Greg Leisz (steel guitar), Don Heffington (batterie) et Marvin Etzioni (basse). Ce dernier est également producteur et responsable de la couleur plus country que pour les précédents enregistrements du duo. Tout à été enregistré live, les cinq hommes ensemble dans la même pièce avec Sam Phillips et ses Sun Studios pour référence. En ce qui concerne les titre, il y a une seule composition des frangins (She's Got That Look In Your Eyes) et neuf reprises. Le titre d'ouverture (Tears Only Run One Way) a été composé par Robbie Fulks ainsi que She Took A Lot Of Pills (And Died). Marvin Etzioni a écrit quatre chansons dont le morceau-titre . On trouve aussi Death Of A Clown des Kinks (Dave Davies), Let The Mystery Be d'Iris DeMent et Piney Wood Hills de Buffy Sainte-Marie. Court (environ vingt-et-une minutes), cet album est une belle surprise et l'on se demande pourquoi il est resté enfoui pendant vingt-sept ans. 

 

Grey DeLISLE

"Borrowed" 

Encore un retour vers le passé avec ce disque de Grey DeLisle, lui aussi produit par Marvin Etzioni. On attendait des nouvelles musicales de la dame car, depuis Iron Flowers en 2005, elle s'était contentée d'activités de de doublage pour des films d'animation (elle a aussi fait des bébés au lieu de faire des disques, selon ses propos). Borrowed, comme son titre l'indique, est constitué de reprises, des titres d'origines variées auxquels Grey apporte sa touche personnelle et sensible. Elle s'attaque aussi bien à Pink Floyd (Another Bick In The Wall) qu'à T-Rex (Girl), aux vieilles chansons populaires (Tonight You Belong To Me ou Georgia On My Mind), au Gospel (Calvary de Marie Knight & Sister Rosetta Tharpe) et à la chanson de film (You Only Live Twice). Mais là où elle brille particulièrement c'est quand elle reprend sa propre co-composition Borrowed And Blue ou celle de Maria McKee avec Lone Justice (You Are The Light), deux chansons coécrites avec Marvin Etzioni dans lesquelles on mesure le mieux son talent vocal. Avec Grey, on retrouve sur cet album les partenaires de toujours, Marvin Etzioni et Murry Hammond (qui a composé Valentine) mais aussi, parmi d'autres, Tammy Rodgers, Greg Leisz, Jonah Tolchin ou Mickey Raphael qui, tous ensemble, nous offrent un cadeau aussi beau qu'inespéré. 

 

OLD CALIFORNIO

"Old Californio Country" 

Groupe de folk rockers country (!), Old Californio est présenté comme un des secrets les mieux gardés de la Californie du sud. Le leader et chanteur principal est Rich Dembrowski qui a écrit la quasi-totalité des compositions du groupe dans le passé et joue de la guitare, de la batterie, de la basse et de l'harmonica. À ses côtés, Woody Aplanalp chante également et manie guitares, banjo, claviers, lap steel et basse. Sur ce disque on croise aussi les partenaires habituels que sont Justin Smith et John Avila, ainsi que Paul Lacques (I See Hawks In L.A.), Kip Boardman et Jon Niemann (GospelBeach) ou encore Anthony Logerfo et Corey McCormick (Promise Of The Real). Trois compositions originales seulement sont au menu de l'album: Shorten Your List (Rich Dembrowki), I Say That Too (Woody Aplanalp) et I Won't Cry (John Avila). Les dix autres titres constituent un véritable who's who du songwriting. Sont ainsi repris les Beatles (Because), John Prine (Speed Of The Sound Of Loneliness et Knockin' On Your Screen Door), Merle Haggard (Lonesome Fugitive écrit par Liz et Casey Anderson), les Rolling Stones (Wild Horses), Guy Clark & Rodney Crowell (Stuff That Works), Neil Young (Lotta Love), Lowell George (Willin'), Jason Isbell (Maybe It's Time) auxquels s'ajoute le traditionnel The Cuckoo. Le tout est interprété sans fioriture inutile, sans artifice de studio, avec sincérité et passion. 

 

Jim PATTON & Sherry BROKUS

"Going The Distance" 

Si l'on attribuait un label rouge aux maisons de disques, celle de Brian Kalinec, Berkalin Records, serait parmi les premières à en bénéficier. La production n'est pas pléthorique mais toujours de qualité, essentiellement made in Texas. Jim Patton & Sherry Brokus maintiennent la tradition avec Going The Distance, leur cinquième album (auquel il faut ajouter une compilation et deux disques enregistrés plus tôt sous le nom de Edge City). La formule est simple, une guitare acoustique et deux voix, Jim lead et Sherry aux harmonies, onze compositions originales de Jim, dont trois co-composées avec un autre grand songwriter texan, Jeff Talmadge, et une autre avec le même Jeff et Steve Brooks. Toutes ont été enregistrées sous formes de maquettes, avec d'autres, pendant les confinements puis finalisées au Jumping Dog Studio de Ron Flynt avec une belle bande d'amis au premier rang desquels figure Bill Kirchen à la Telecaster sur trois titres: Words I Can't Unsay, Brand New Love et Austin Night. Il y a aussi les harmonies de BettySoo, le fiddle de Warren Hood et tous les autres instruments joués par Ron Flynt et Jim Brotherton avec juste en plus la guitare lead de Eric Hisaw sur Struggling et quelques percussions de John Bush. Les chansons abordent les difficultés des relations à long terme, quelles qu'elles soient, mais aussi les rêves et les conséquences, bonnes ou mauvaises, d'être un rêveur. Six ans après The Hard Part Of Flying, Jim & Sherry nous reviennent tels qu'on les aime, sans prétention, avec leur folk doucement teinté de rock plein de vibrations positives.

 

NITTY GRITTY DIRT BAND

"Dirt Does Dylan" 

Comme les Rolling Stones, Nitty Gritty Dirt Band compte encore deux membres d'origine, après plus d'un demi-siècle d'existence (depuis 1967), Jeff Hanna et Jimmie Fadden. Bob Carpenter n'est arrivé qu'en 1979 quand le groupe s'était offert une parenthèse sous le nom de Dirt Band. Jaime Hanna (fils de Jeff), Ross Holmes et Jim Photoglo (un vieil ami), complètent le line-up d'un ensemble qui n'avait pas produit de disque en studio depuis Speed Of Life en 2009. Après tant d'autres, les six hommes nous offrent avec le bien-nommé Dirt Does Dylan un album de reprises de qui vous savez. Jeff et Jimmie chantent la plupart des morceaux aidés par Bob et Jaime. Larkin Poe vient donner un coup de main (ou plutôt de voix) sur I Sall Be Released, comme le font Rosanne Cash, Steve Earle, Jason Isbell et The War And Treaty sur The Times They Are A-Changin'. De Tonight I'll Be Staying Here With You à Quinn The Eskimo, sont ainsi passés en revue dix titres du répertoire de Bob Dylan, avec compétence, révérence mais, surtout, avec la passion de quelques vétérans qui sont restés avant tout des fans. Cela a un effet indéniable sur le plaisir procuré (en plus de celui de retrouver NGDB tel qu'en lui-même) à l'auditeur qui, sans cela, aurait pu trouver l'exercice un peu vain. 

 

Caleb CAUDLE

"Forsythia" 

Caleb Caudle n'est pas un débutant puiqu'il a déjà une bonne dizaine d'albums à son actif en quinze ans, seul ou avec son groupe rock The Bayonets. Better Hurry Up, paru en 2019 avait attiré mon attention. Le disque avait été enregistré aux studios Cash à Hendersonville avec une belle équipe de musiciens et de vocalistes. Caleb récidive avec Forsythia et cette fois, c'est même John Carter Cash qui le produit. Dix titres sont au programme, tous composés par Caleb (The Gates est coécrit avec John Carter Cash et Whirlgigs avec Brennen Leigh). Le casting est impressionnant: Jerry Douglas (dobro, lap steel), Sam Bush (mandoline, fiddle), Dennis Crouch (basse), Fred Eltringham (batterie et percussions), Forrest Cashion (orgue), John Carter Cash (autoharpe), Carlene Carter , Elizabeth Cook et Sarah Peasall McGuffey (voix). On peut s'attendre à un grand et beau disque et, lorsqu'on l'écoute, c'est exactement cela et même encore mieux. La qualité des compositions est là, bien sûr, la voix claire de Caleb n'est pas en reste, mais le véritable plus est la paire Jerry Douglas / Sam Bush dont l'omniprésence illumine les dix chansons. Écoutez par exemple Forsythia, le morceau titre, et sa délicate mélodie soulignée par une voix féminine, ou encore Tears Of Savannah. Caleb Caudle va-t-il enfin sortir de l'ombre? Cet album aux thèmes très personnels, que le songwriter a enregistré en pensant qu'il pouvait être le dernier, a en tout cas toutes les qualités pour le lui permettre. C'est indéniablement son meilleur et mon favori.