Du Côté de Chez Sam, par Sam Pierre

 

• Jeffrey MARTIN
• "Alive July 25, 2025" 
• Avec Jeffrey Foucault, il partage le prénom. Avec John Prine, il partage un titre de chanson, Quiet Man (deux chansons différentes). Je vous avais dit grand bien de Jeffrey Martin en ces colonnes en août 2024 à propos de son album Thank God We Left The Garden. Si aujourd'hui je cite Jeffrey Foucault et John Prine, c'est qu'il partage avec eux au moins deux autres choses: une discographie où il n'y a rien à jeter et une capacité à se produire en public, seul avec sa guitare (même si sur cet enregistrement, Sam Weber, est à la deuxième guitare) et à communier avec son public, qu'il manie l'humour ou l'émotion. Cet album en public, son premier, à été enregistré au Showdown, à Portland, Oregon, sa terre d'adoption. Il est riche de seize chansons dont au moins une composition originale (1519) et une reprise (Out On The Weekend de Neil Young). On trouve des chansons récentes (Quiet Man, Red Station Wagon, Garden, There Is A Treasure), d'autres plus anciennes Gold In The Water, Galveston. L'oreille s'attarde sur The Middle, Wellspring, Thief And A Liar ou Billy Burroughs mais dès le premier titre, I Know What I know, on sait qu'on va passer un bon moment (près de quatre-vingt-dix minutes), en toute intimité, avec un des meilleurs songwriters du siècle présent.
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George MANN and Mick COATES

"Ghosts Of The Old West" 

C'est le violon enlevé de Tim Ball sur For The West qui donne le ton, très country, dès les premières notes d'un album qui a pris naissance chez Mick Coates au Maldon Folk Festival en Australie, auquel George Mann participait. L'idée d'enregistrer ensemble a vite pris forme et le titre du disque, Ghosts Of The Old West, a été trouvé, George suggérant à Mick que chacun écrive une chanson du même titre (pour éviter la confusion, la composition de Mick est titrée The Ghosts Of The Old West). George Mann est un chanteur et auteur-compositeur issu du mouvement folk, celui de Woody Guthrie ou Pete Seeger, Utah Phillips ou Tom Paxton, très investi dans le syndicalisme, comme sa discographie peut en témoigner. Mick Coates, avec sa voix plus basse, excelle dans les chansons de cowboy ou les reprises de Johnny Cash. Ce qui est intéressant ici, c'est le contraste des voix, qui ne nuit nullement à la cohérence de l'ensemble. On trouve quatre compositions de George (For The West, Ghosts Of The Old West, They Call Her Dolly Parton, 'Til The Cows And 'Roos Come Home) et trois de Mick (That Sweet Plaintalkin' Country Girl, In Irons From Limerick City, The Ghosts Of The Old West). Il y a aussi quatre reprises. Pour commencer par les plus connues, il y a d'abord The Reverend Mr. Black, chanté par George où Mick intervient à la manière de Johnny Cash pour entonner "You gotta walk that lonesome valley". On pense encore au Man in Black pour l'autre reprise marquante, Ira Hayes, de Peter LaFarge). Je ne ferai pas l'impasse sur Anymore (écrit par Harry Stamper, syndicaliste et musicien) où l'on retrouve George Mann dans un registre proche de ses reprises de Woody Guthrie, ni sur Lonesome Plains écrit par une amie australienne de Mick, Charlotte Buckton. Un mot aussi sur les musiciens qui, à défaut d'avoir des noms qui résonnent, démontrent un talent certain. Je nomme Tim Ball (déjà cité, au violon), Rich DePaolo guitares, harmonies), Molly MacMillan (claviers, harmonies), Michel Wellen (batterie), Dave Davies (contrebasse, harmonies), Doug Robinson (basse électrique), ou encore les chanteuses Alice Saltonstall et Elbonee Stevenson. Toutes et tous contribuent à faire de Ghosts Of The Old West un disque qui réjouira les amateurs de folk et ceux de country, les fans de Woody Guthrie et ceux de Johnny Cash (qui peuvent être les mêmes).

 

 

Sam LEWIS

"Everything's Fine" 

Pour ceux qui suivent, j'avais chroniqué l'album Solo de Sam Lewis dans Le Cri du Coyote (n° 164, version papier). Puis, dans ces colonnes, en février 2022, ce fut le tour de Harley Kimbro Lewis (self-titled produit par Joe McMahan) avec Martin Harley et Daniel Kimbro. En 2024, Sam a publié Superposition, un peu passé inaperçu, avant de nous offrir cet opus d'excellente facture, Everything's Fine, produit une nouvelle fois par Joe McMahan à qui Sam avait fait écouter ses nouvelles compositions en janvier 2025. Joe est connu pour avoir travaillé avec des artistes aussi nombreux et divers que Stephen Simmons, Freedy Johnston, Kevin Gordon, Justin Townes Earle, Allison Moorer, Paul Burch, Sarah Siskind, Jeff Finlin, Gwil Owen, Jon Byrd, pour n'en citer que quelques-uns. Il a apporté son expertise instrumentale (guitares, claviers, percussion, dulcimer, pedal steel, basse, synthétiseur) aux dix compositions et co-compositions de Sam. Chris Carmichael ajoute des cordes sur Everything's Fine, JT Cure est à la basse et Derek Mixon à la batterie sur ce même titre et sur Making It Up. Le disque commence avec Chase The Moon et son introduction un peu planante avant que l'on retrouve le songwriter que l'on aime avec ses mélodies qui accrochent, son jeu de guitare au picking délicat et sa voix pleine de chaleur. I know se poursuit dans la même tonalité tranquille avant le morceau titre, à l'orchestration plus fournie. On notera encore un instrumental, Lischey's Retreat (du nom du chat de Sam) où Joe McMahan est au dulcimer des montagnes, ou encore les excellents Nothing Could Break Up Apart et I'll Never Be Enough For You, ainsi que The Light, un duo avec la chanteuse Judy Blank. Making It Up est avec My Life Living Me le titre le plus rock de l'album qui se termine avec une reprise, Three Country Highway des Indigo Girls (Amy Ray & Emily Saliers), unique titre où Sam est seul avec sa voix et sa guitare. Everything's Fine, mélodique et lumineux, confirme que Sam Lewis fait partie des trésors cachés américains.

 

 

Emily Scott ROBINSON

"Appalachia" 

Appalachia est le quatrième LP d'Emily Scott Robinson auquel on peut ajouter deux EP dont un live. Son label, Oh Boy Records créé par John Prine, est un gage de qualité. La voix d'Emily, pure et fragile à la fois, nous envoûte dès Hymn For The Unholy, tout un programme, avec ces mots: "je pense que les dieux rient avec nous, je pense que les étoiles sont de notre côté", et tant pis pour ceux qui aspirent à la sainteté! C'est ensuite le fiddle de Duncan Wickel qui introduit Appalachia avant un Sea Of Ghosts où Emily nous dit: "si tu cherches dans une mer de fantômes, je suis la fille qui porte du rouge". Cast Iron Heart, co-écrit avec Lizzy Ross est un duo avec John Paul White et un des moments forts de l'album, tout en émotion. Time Traveler évoque le vieillissement et le déclin cognitif d'une personne de 89 ans, la chanson est à la fois déchirante et pleine d'optimisme, elle touchera tous ceux qui ont été confrontés, de près ou de loin, à la maladie d'Alzheimer. Dirtbag Saloon, à tous points de vue, est une chanson country, avec les harmonies de Lizzy Ross, avant un Bless It All très dépouillé et d'une dimension quasi religieuse. Puis vient The Time For Flowers, l'espoir après une catastrophe ("Le temps pour les fleurs reviendra / Peut-être dans un an, peut-être dans dix / Il y a des jours où le désespoir vaincra / Mais le temps pour les fleurs reviendra"). Le classique The Water Is Wide est parfaitement dans la continuité du titre précédent, avec la voix de Duncan Wickel. C'est la seule composition non originale de disque qui se termine avec The Fairest View, introduit par l'harmonica d'Harmonica Jerry qui donne à ce titre une tonalité différente du reste de l'album, avec la voix d'Emily, doublée par celle de Lizzy Ross, qui va crescendo jusqu'au refrain final: "Et les cloches de l'église sonnent / Et vos sœurs chantent / Et les fiddles et la forêt / Et les créatures sont le chœur". Ce bien bel album a été produit par Josh Kaufman qui assure en plus la majorité de l'instrumentation (orgue, basse, guitare acoustique, guitare hi-string, guitare électrique, guitare à cordes nylon, guitare ténor, guitare douze cordes, dulcimer, harmonium, mandoline, percussion). Comme j'ai cité les autres participants, je n'omettrai pas Annie Nero (contrebasse) ni Otto Hauser (batterie et percussion). 

 

 

Andy COHEN + Eleanor ELLIS + William Lee ELLIS

"Whistlin' Past The Graveyard" 

Andy Cohen, Eleanor Ellis et William Lee Ellis sont des vétérans de la scène acoustique américaine, dont le domaine regroupe des territoires old-time, blues, gospel, ballades, ragtime et country. En 1993, ils avaient déjà publié sur cassette (rééditée en 2005 sur CD) un projet commun titré Preachin' In The Wilderness. Après avoir déroulé leurs carrières respectives, il reviennent avec Whistlin' Down The Wire (titre emprunté à une chanson de Tom Waits) riche de vingt-et-un titres dont cinq compositions originales (quatre de Bill Ellis et une d'Andy Cohen). Les trois chantent et jouent de la guitare. Bill y ajoute la steel guitar, la slide et la 12 cordes, et Andy la mandole, la dolceola (sorte de cithare à clavier) et le piano. Le disque commence avec le traditionnel Columbus Stockade et, au fil des plages, on croise Gene Autry et Hank Snow (Do Right Woman), Blind Arthur Blake (Police Dog Blues), Blind Lemon Jefferson (Shuckin' Sugar), Steve Earle (South Nashville Blues), Gary Davis et Scott Joplin (Make Believe Stunt), Furry Lewis (I Will Turn Your Money Green), Charlie Patton (I'm Goin' Home), Henry Thomas (Red River Blues). Williams Lee Ellis rend hommage à deux de ses influences dans ses compositions: Memphis Minnie And Me et Handful Of Frets (For Fats Weller). Cette énumération en dit beaucoup sur le contenu de l'album mais seule son écoute permet de resentir le plaisir partagé par les trois artistes.

 

Brock DAVIS

"Nothing Lasts Forever" 

J'avais beaucoup apprécié les deux premiers albums de Brock Davis, A Song Waiting To Be Sung (2022) et Everyday Miracle (2024). C'est donc avec une certaine impatience que j'attendais Nothing Lasts Forever, troisième opus du songwriter élevé non loin de Vancouver et désormais établi à Santa Cruz en Californie. C'est un disque riche de quatorze titres (tous écrits par Brock dont trois en coécriture) enregistré avec Zach Allen à Nashville. Accompagnant la voix et le piano de Brock, on trouve PatMcGrath (guitare acoustique et mandoline), Justin Ostrander (guitare électrique), Duncan Mullins (basse), Marcus Finnie (batterie), Russ Pahl (pedal steel), Michael Hicks (claviers), Trey Keller, Tania Hancheroff et Drea Albert (voix). Ces présentations faites, on peut écouter tranquillement Nothing Lasts Forever, un disque qui sent le vécu, le songwriter nous faisant partager des moments de sa vie marqués par l'amour et la rupture, la perte d'êtres chers, la famille. Le disque oscille en permanence entre folk, rock et country, entre chansons calmes et titres plus électriques. Ce qui cimente l'ensemble, en dehors de l'interprétation, c'est la qualité et la sincérité de l'écriture, sensible dès le vibrant All Of You (écrit par Brock pour sa femme: "Nous avons traversé beaucoup de choses ensemble, chaque jour je te connais mieux") et se poursuivant sur une tonalité différente et plus mélancolique avec Nowhere Near Ready, à propos d'un amour de jeunesse. I'll Be Your Alibi, Nothings Lasts Forever, Laughin' Til You Hurt, One Paycheck Away, sont des titres rocks alternant avec des ballades plus acoustiques: My Beautiful Bride, I'm Glad You Left Me, Miracle On The Hudson (inspiré par un fait-divers aéronautique célèbre), Make Your Own Chance où Brock nous dit, sans pour autant s'apitoyer sur lui-même: "mon monde s’est effondré, et je me suis effondré si violemment". Beaucoup de ces titres comportent une bonne part autobiographique comme Daddy's Girl où l'artiste nous peint à la fois le bonheur et la difficulté d'être père. Vient ensuite le nostalgique Christmas (Going Home) qui raconte un retour à la maison, à Noël, après une longue absence, dans un Greyhound bus. Le morceau de clôture, A Daughter, mi-parlé, mi-chanté, est lui aussi autobiographique, Brock Davis narrant des souvenirs d’enfance vivaces, notamment la découverte d’une sœur aînée après le décès de sa mère. Nothing Lasts Forever est un album riche et sensible dont la chaleur est communicative en cette fin d'hiver. 

 

Du Côté de Chez Sam, par Sam Pierre

 

Danni NICHOLLS

"Under The Neem Plum Tree" 

Cinq ans après The Melted Morning (qui avait eu les honneurs du numéro 161 du Cri du Coyote), Danni Nicholls revient avec un album de huit titres (donc court, trop court), Under The Neem Plum Tree. Dès la première chanson, on a l'impression d'entendre un classique de la country music. Et pourtant, Under The Neem Plum Tree, est un titre original que Danni a composé avec Susan Peacock. C'est même le seul inédit puisque, à côté de cinq reprises, Danni réinterprète deux de ses chansons qu'elle avait déjà enregistrées, avec des arrangements et orchestrations différents (Between The River & The Rail Way et Ancient Embers). Les reprises, parlons-en, ce ne sont que des standards: My Happiness, Crazy, Blue Bayou, Can't Help Falling In Love et Tennessee Waltz. La jeune femme, originaire de Bedford, UK, et établie à Nashville, TN, place la barre très haut quand on pense aux interprétations originales et aux nombreuses reprises, généralement de haute volée, de ces classiques. Le moins que l'on puisse dire, c'est que Danni peut regarder droit dans les yeux Elvis, Roy, Willie, Linda, Pee Wee, Patti, Frank, Emmylou et tous les autres, tellement elle est à l'aise sur ces mélodies, au rythme légèrement jazzy auxquelles elle insuffle une fraîcheur bienvenue et, pour tout dire, inespérée. Pour cet album produit et enregistré par Sarah Peacock, Danni, armée de sa guitare acoustique, s'est entourée d'une équipe réduite mais ô combien efficace, avec au premier plan Brett Resnick et sa pedal steel enchantée. Sarah Peacock joue du piano et chante, Shawn Burne est à la basse et à la mandoline et Emerald Rae au fiddle, et tous contribuent à faire de ce disque un des enchantements de l'été.

 

 

Martha FIELDS

"Bramble Bridge" 

Depuis le disque de Texas Martha & The House Of Twang intitulé Long Way From Home présenté en juin 2015 pour le n° 145 du Cri du Coyote, j'ai eu le bonheur de chroniquer tous les disques de Martha Fields alias Marty Fields Galloway et je me réjouis d'avoir vu juste, il y a neuf ans, lorsque je prédisais un bel avenir à cette artiste établie vers Bordeaux une partie de l'année. Comme un pont jeté entre les genres, les générations et les continents (Southern White Lies). Avec Bramble Bridge, il est question d'un petit pont situé dans le Comté de Wayne, West Virginia, qui est l'épicentre de l'héritage de Martha et nous conduit de façon virtuelle jusqu'au Texas et en Oklahoma et même au-delà, en Europe, là où Martha s'efforce de "faire un pont pour de bon". Dès les premières notes de All I Know, on sent que Bramble Bridge est dans la lignée de ses prédécesseurs. La guitare et la basse bourdonnent, le banjo marque un rythme déjà infernal et Martha, "prise entre le diable et la mer bleue profonde", emporte tout sur son passage. Vient ensuite l'émouvant hommage à Grandma, Irene's Mountain Railway, qui commence comme un country-rock et se termine sur des notes de gospel (Life's Mountain Railway) parmi lesquelles celles du violon se distinguent. Avec Rosabelle's Ghost, il est encore question du diable qui vient de Kankakee et n'a jamais quitté le Kentucky. Martha rugit de plus belle, de sa voix très soul, sur fond, entre autres, de guitare électrique, d'orgue Hammond et de pedal steel. Avec Nightrider Blues, il est encore question du diable et du blues (clin d'œil à Robert Johnson?), de la vie sur la route, de country music et d'Opry, avec un harmonica qui, déjà, se distingue. Introduite par quelques notes de guitares après lesquelles on s'attend presque à entendre la voix de Jim Morrison, Party Marty est un autoportrait décliné à la troisième personne: "Elle est trop country / Non elle est trop blues / Les garçons sont tous français". Sans doute des phrases entendues et qui font doucement sourire aujourd'hui. Martha enfile ses chaussures de danse, affirme que Marty et les garçons vont secouer la salle ce soir et conclut ainsi: "Vous vous sentez bien? / Je me sens bien! / Nous sous sentons tous bien". Et puis vient Are You Ready For Some Country? où le twang du groupe est de plus en plus envoûtant et pour lequel le disque s'habille aux couleurs de Bakersfield, de Buck et Merle. Marty retrace son itinéraire: "Eh bien tout a commencé en Kentucky et West Virginia aussi / Puis j'ai volé jusqu'en Californie /Mais je suis une Okie en dépit de tout / J'ai passé une vie au Texas pourtant la France est ma maison". Et c'est ainsi qu'elle a rencontré ces "hotshot pickers" dans sud-ouest. "Pas des cons", disaient-ils en se marrant! Et ce couplet en français: "Tu es prêt pour la country / On va t'emmener / Met tes santiags et ton joli chapeau / Ça c'est la cerise sur le country gâteau". Tout cela nous conduit sur les Country Roads Of France, et l'on retrouve le pont évoqué plus haut, celui qui est jeté entre les genres, les générations et les continents: "Sometimes we're so tired but the show must go on / Yes, that bridge is long and wide, Faire un pont, pour de bon" (Parfois nous sommes si fatigués mais le spectacle doit continuer / Oui ce pont est long est sauvage, faire un pont pour de bon). Ne m'en veuillez pas si j'y vois un clin d'œil personnel. On est en tout cas dans la country music du meilleur tonneau, celle qu'annonçait le titre précédent. Et cela ne se dément pas avec Biscay Bay où le dobro, le violon, la mandoline et l'harmonica se distinguent tour à tour. Pour Sweet Lips, c'est une guitare majestueuse qui introduit la chanson, avec encore des interventions remarquables du dobro et de l'harmonica. Martha se pose une question, "est-ce que tes lèvres pourraient être plus douces?". Je ne connais pas la réponse, mais je peux affirmer que ce blason les célèbre remarquablement. L'ambiance est moins légère pour Curse On The Greenbrier, une élégie où les instruments (violon et dobro notamment), adoptent des tonalités plus sombres, inquiétantes même. L'album se conclut avec le traditionnel Wayfaring Stranger, qui prend ici une dimension très émouvante, avec un rythme lancinant et des chœurs gospel. C'est un beau final pour un disque qui célèbre à la fois les racines familiales et musicales de Marty, mais aussi son présent et son avenir des deux côtés de l'Atlantique. Je vais éviter de trop manier le dithyrambe pour conclure mais Marty et son groupe (son Hot Band à elle) arrivent encore à m'épater. J'ai cité les instruments mais pas les musiciens. Ils méritent une sortie de scène sous vos applaudissements: Manu Bertrand (dobro, guitares acoustiques, pedal steel lap steel, Weissenborn, résonateur, banjo, mandoline), Urbain Lambert (guitare électrique), Olivier Leclerc (violon), Serge Samyn (contrebasse et basse électrique) et Denis Bielsa (batterie et percussions) mais aussi Christophe Dupeu (harmonica), Xavier Duprat (piano et orgue Hammond) sans oublier la touche américaine avec les voix de Jared Tyler, Jesse Aycock et Mallory Eagle. La dernière bonne nouvelle est que nous allons bientôt retrouver cette belle équipe pour un album en public, déjà enregistré. 

 

 

Greg COPELAND

"Empire State"

 Greg Copeland, natif de Californie du sud, fait un peu figure de légende. Son nom est apparu dès 1967 avec le premier album de Nitty Gritty Dirt Band et le titre Buy For Me The Rain coécrit avec Steve Noonan et qui fut un succès pour le groupe. À la même époque, il avait écrit quelques titres avec son ami Jackson Browne, publiés sous le manteau dans les fameuses Nina Demos. Il a fallu attendre 1982 pour le premier album de Greg, Revenge Will Come, et vingt-six ans de plus pour le suivant, Diana And James, avant The Tango Bar paru en 2020. Au bout de quatre ans, notre homme est (déjà) de retour avec Empire State fort de cinq titres. Comme The Tango Bar, cet EP est produit par Tyler Chester et l'on y retrouve à peu près les mêmes musiciens (Val McCallum,Tyler Chester, Greg Leisz, Jay Bellerose) avec, cette fois, Jennifer Condos à la basse. On sent beaucoup de spontanéité dans ces quatre chansons écrites par Greg (le cinquième titre est un enregistrement de cris de coyotes depuis le jardin de l'artiste), et aussi beaucoup de complicité entre les différents instrumentistes. Le disque commence avec Boon Time, tranquille et ensoleillé au départ avant de prendre un côté inquiétant, lié à la violence qui est de plus en plus présente dans la société, notamment en politique, et annonce un réveil difficile. We The Gathered conserve ce côté sombre, avec un rythme lancinant et guitares qui se répondent, la pedal steel de Greg Leisz, et la guitare électrique de Val McCallum. Tout cela confère au disque un aspect musical très actuel, pas évident a priori chez un songwriter plus que septuagénaire. Ce titre est pour Greg une sorte d'hymne qui décrit le long voyage vers le paradis. 4:59:59 bénéficie de la présence du violon de Sara Watkins qui se distingue particulièrement, avec la mandoline de Greg et les claviers de Tyler. Vient ensuite Coyotes, l'intermède cité plus haut avant que l'album ne se referme sur Empire State. Ce titre évoque un autrice-compositrice qui quitte son petit ami, New York et l'empire américain, le tout en même temps, se donnant le temps de réfléchir à ce qu'elle veut vraiment et à le faire. Empire State est une nouvelle preuve du talent de Greg Copeland et de sa capacité à poser les mots justes sur des mélodies qui ne le sont pas moins. Pour ceux qui ne le connaitraient pas encore, il est grand temps de découvrir cet artiste trop rare. 

 

Brock DAVIS

"Everyday Miracle" 

Brock DAVIS ne fait pas partie de ces artistes dont la renommée a franchi nos frontières. Élevé près de Vancouver, Canada, il est aujourd'hui établi à Santa Cruz, Californie, et je ne connais de lui que son précédent album, A Song Waiting To Be Sung, paru en 2022. Everyday Miracle marque à la fois une continuité et une évolution par rapport à son prédécesseur dans la mesure où notre homme se démarque des artistes qui l'ont inspiré pour aborder des thèmes plus profondément personnels. Sur le plan du son, on retrouve une production (due à Brock Davis et Zach Allen) qui alterne entre titres très propres et polis (un peu à la manière des disques country-folk de l'époque des débuts du CD) et d'autres plus dépouillés, avec une batterie moins en avant. C'est à ces derniers que vont ma préférence, et des chansons comme Rain Falling On The Water, I'll Always Be Your Dad, The Warrior ou encore September Rain mettent parfaitement en valeur un auteur-compositeur de premier plan. Les thèmes abordés vont des choses simples du quotidien (Everyday Miracle) aux joies de la famille (Make A Family - Brock est resté un certain temps éloigné de la musique pour prendre soin de sa famille) en passant par des sujets plus profonds (It Just Takes One, inspiré par #MeToo) ou simplement sentimentaux comme Angela (Please Say Yes) et My Promise To You. Ce disque est particulièrement agréable à écouter dans la mesure où il dégage une positivité et un optimisme de tous les instants (Ready For The Good Time, le titre le plus rock des treize ici présentés), même quand le thème est grave. Les musiciens enrôlés ont tous un pédigrée sérieux qui va de Bob Seger à Blake Shelton et ont pour noms Pat McGrath (guitare acoustique et mandoline), Rob McNelly et Justin Ostrander (guitares électriques), Duncan Mullins (basse), Marcus Finnie (batterie), Russ Pahl (pedal steel) et Michael Rojas (B3 et piano). Brock joue du piano et chante, accompagné par un groupe de vocalistes aux accents parfois grandioses de chœurs gospel (Give Forgiveness) qui contribuent beaucoup au côté solaire de l'album. Quand résonnent les dernières notes de cet album, on se sent bien, et l'on n'a qu'une envie, c'est de reprendre l'écoute depuis le début. 

 

Jeffrey MARTIN

"Thank God We Left The Garden" 

S'il est originaire de San Antonio, Texas, Jeffrey Martin, qui approche de la quarantaine est établi à Portland, Oregon, terre aujourd'hui bénie des songwriters où il côtoie souvent l'excellente Anna Tivel avec laquelle il a souvent collaboré. Thank God We Left The Garden est son quatrième et, si Dieu (ou la justice) existait, il marquerait la consécration d'un très grand songwriter, poète et guitariste de talent. J'avoue l'avoir entendu d'une oreille distraite il y a quelques années, et si l'ami Hervé n'avait posté un de ses titres sur Facebook, je serais encore une fois, sans doute, passé à côté. On retrouve dans cet album toute la magie des premiers disques de Townes Van Zandt, John Prine, Paul Siebel ou Sammy Walker (pour ne pas citer Robert Zimmermann). Jeffrey a enregistré les onze titres dans une cabane de 3m² installée dans son jardin et aménagée en studio, armé des ses guitares acoustiques, Jon Neufeld a ajouté quelques notes de guitare électrique sur trois titres, a mixé et mastérisé le tout, et le tour était joué. Les onze chansons sont autant de joyaux qui touchent immédiatement l'auditeur au plus profond, portés par une voix douce et chaude. C'est le type d'album qu'on ne peut écouter que dans le calme, sans rien qui ne puisse nous distraire. Dès lors c'est un régal permanent pour qui est sensible à la poétique beauté des mots, aux mélodies qui se faufilent subtilement, sans tapage, dans notre cerveau pour n'en plus ressortir. Le disque est souvent sombre, voire triste, à l'exemple du premier titre, Lost Dog, avec ce dernier couplet: "J'ai rencontré un ange, un homme ennuyeux près d'un arbre / Son feu a été volé par une éternité / Je serai mort dans un moment, rien qu'une respiration et je serai parti / L'amour est tout ce qui ne peut être gardé trop longtemps". Il est ensuite question d'un jardin, celui d'Adam et Ève, avec un arbre fruitier dans Garden (on retrouve ce thème plus loin dans Daylight), on croise un Quiet Man avec lequel il est encore question du paradis, de Dieu et du diable. Dans Red Station Wagon, la trahison semble être l'inspiration ("Je ne peux pas croire que je t'ai laissé tomber"). Si Paper Crown a un aspect désabusé, on retrouve un peu d'optimisme avec les titres suivants, mais un optimisme teinté de fatalisme, comme dans There Is A Treasure ("Le soleil se lèvera comme il le fait toujours, le jour où je mourrai") ou dans Daylight ("Et mes meilleurs rêves sont seulement une triste imitation"). I Didn't Know semble autobiographique et Jeffrey y évoque des souvenirs de Cincinatti et des moments de dur labeur de ses parents. Sculptor est un des grands moments du disque, avec en arrière-plan la guitare de Jon Neufeld qui sonne comme un violon électrique: "Mais tu as écrit une lettre comme une sculpture / Et j'ai pleuré et laissé le jour passer / Ta respiration sur mon épaule me manque". Le dernier titre, Walking, est un moment de pure poésie (c'est loin d'être le seul. "J'entends un chant au loin / Les ombres ont des visages plaisants / Elles valsent avec les arbres / Quand je sors marcher". Les derniers mots sont à l'image d'une grande partie du disque, doux-amers: "Oui, nous nous en irons sans rien / De la même manière que nous sommes venus / Alors je sortirai marcher". On ne sort pas intact de l'écoute de Thank God I Left The Garden, un disque qui nous incite à nous poser beaucoup de questions, avec pour seule certitude celle d'avoir découvert (enfin) un songwriter parmi les meilleurs se son temps.

 

Steve YOUNG

"Stars In The Southern Sky" 

"There are stars in the southern sky / Southward as you go / There is moonlight and moss in the trees / Down on the Seven Bridges Road". Ces quatre vers sont le début de Seven Bridges Road, l'une des compositions les plus connues de Steve Young qui est également le titre de son deuxième album solo. Mais Stars In The Southern Sky est le titre choisi pour la réédition de Honky Tonk Man, troisième album de Steve, paru en 1975 sur le label indépendant Mountain Railrod Records et faisant figure (relative) de rareté (même s'il a été réédité par la suite par Rounder Records en vinyle, puis en CD). Il ne s'agit pas cependant d'une banale réédition puisque l'album originel, en plus d'un titre bonus un peu anecdotique (Stanley And Henry par Jim Post & Steve Young), est agrémenté de deux CD supplémentaires enregistrés en public au milieu des seventies, soit un total de 34 titres jamais publiés sous cette forme. Honky Tonk Man, l'album studio, est constitué de douze chansons, la première moitié étant consacrée à des reprises avec notamment The Night They Drove Old Dixie Down (The Band), Ramblin' Man (Hank Williams), Rock Salt & Nails (Bruce "Utah" Philips). La seconde moitié, en dehors d'une adaptation très personnelle de Sally Goodin, est constituée de compositions de Steve: Traveling Kind, Alabama Highway, Vision f A Child, We've Been Together On This Earth Before et The White Trash Song. Dans la discographie de Steve, du moins dans sa première décennie, Honky Tonk Man est l'album pour lequel cet artiste, qui a toujours refusé de se compromettre, a bénéficié de la plus grande liberté de création grâce à son label et au producteur Stephen Powers. C'est ce dernier qui est aux commandes pour la réédition, assisté de Ted Olson et, en conséquence, le résultat ne peut qu'être conforme aux attentes de ceux qui ont suivi la carrière de Steve (1942-2016). Il va même au-delà tellement les titres enregistrés en public constituent un cadeau inespéré. Steve Young était la plupart du temps catalogué comme un chanteur country, parfois vu comme un des piliers du mouvement Outlaw. Le répertoire interprété ici démontre qu'il est bien plus que cela. Armé de sa guitare et de sa voix très blues, il n'hésite pas à s'attaquer à Hobo Blues de John Lee Hooker, à That's Alright Mama d'Arthur "Big Boy" Crudup, Tobacco Road de John D. Loudermilk, ou encore You Don't Miss Your Water de William Bell et même Midnight Rider des Allman Brothers. Ses confrères songwriters sont également à l'honneur: Townes Van Zandt (No Place To Fall), Bob Dylan (Don't Think Twice, It's Alright), Rodney Crowell (Home Sweet Home Revisited), Mickey Newbury (Frisco Mabel Joy) ou Tom T. Hall (The Day That Clayton Delaney Died). Tout cela n'est qu'un échantillon et, bien sûr, Steve n'omet pas ses propres compositions: Long Way To Hollywood, Ragtime Blue Guitar, Seven Bridges Road, Montgomery In The Rain, Lonesome On'ry And Mean, Traveling Kind, The White Trash Song, All Her Lovers Want To Be The Hero, Old Memories (Mean Nothing To Me), My Sweet Love Ain't Around, We've Been Together On This Earth Before. C'est un véritable best of, entendu pour la première fois dans une ambiance intime qui convenait si bien à ce véritable troubadour pour qui la scène, jusqu'au bout, a constitué un véritable bonheur. À son décès, Steve Young nous a laissé un héritage de dix albums solo de chansons originales, plus deux albums en public et un autre de réenregistrements d'une dizaine de ses titres phares (sans oublier un disque avec le groupe Stone Country). Un Live In Holland a été publié en 2019 pour notre grand plaisir que ce Stars In The Southern Sky ne fait qu'amplifier.